Bad Bunny y Marc Anthony ayudan a rehacer campos de béisbol en Puerto Rico.

San Juan.- Las estrellas de la música Bad Bunny y Marc Anthony ayudarán a reconstruir parte de los cerca de 300 campos de béisbol utilizados por jóvenes que quedaron destruidos en Puerto Rico tras el paso del huracán María por la isla caribeña en septiembre de 2017. Los dos cantantes unirán esfuerzos para contribuir a la financiación, por medio de sus respectivas fundaciones, del programa Play Ball Again que tiene como objetivo reconstruir algunos de los campos dañados en la isla, como el Parque Las Acerolas Almirante Norte del municipio de Vega Baja, cuyo alcalde, Marcos Cruz, dijo este lunes a Efe que la ayuda “viene como anillo al dedo”. Cruz, que recordó que Bad Bunny se crió en Vega Baja, señaló que le parece “muy loable” la iniciativa de los dos artistas. El alcalde indicó que en el Parque Las Acerolas en el campo como tal se pueden llevar a cabo actividades deportivas aunque el huracán provocó que quedaran dañadas verjas, techos y otras partes de las instalaciones. “Hacía mucha falta su recuperación”, destacó el alcalde, después de agradecer la iniciativa de los artistas. Los daños en el campo de béisbol de este municipio de la costa norte de Puerto Rico son sólo una muestra de la devastación provocada por María, que esta iniciativa espera contrarrestar de forma que se beneficien más de 17.000 jóvenes de la inversión prevista. El presidente de la Federación de Béisbol de Puerto Rico, José Quiles, dijo a Efe que la iniciativa de Marc Anthony y Bad Bunny pone de relieve que solo hay dos cosas que unen a los ciudadanos de isla, que son la música y el deporte. “Es una gran iniciativa y hay que agradecerles que pongan su empeño para facilitar la práctica de un deporte que identifica a los puertorriqueños”, sostuvo Quiles. Dijo además que es muy importante que los jóvenes de la isla cuenten con instalaciones para jugar al béisbol, ya que como subrayó “el deporte ayuda a crear mejores personas”. El presidente de la Corporación de Apoyo a Iniciativas Locales (LISC, en inglés), Maurice Jones, cuya entidad creó Play Ball Again y está coordinando el desarrollo de los trabajos de recuperación en los campos, dijo que se esperan crear oportunidades para los jóvenes practicantes de deporte. Marc Anthony, que apoya la iniciativa a través de su Fundación Maestro Cares, destacó que las actividades deportivas ayudarán a restaurar la normalidad después del desastre que supuso el huracán. El artista nacido en Nueva York e hijo de puertorriqueños subrayó que el béisbol no es solo un juego, sino que ayuda a los jóvenes a mejorar sus vidas. El proyecto fue posible gracias la unión de Maestro Cares con la Fundación Good Bunny y UNICEF USA para financiar los primeros 300.000 dólares, aunque LISC espera que se llegue a disponer de 1,5 millones de dólares para renovar de los campos de béisbol. La iniciativa la completan Cubs Charities con la aportación de otros 100.000 dólares y la Compañía Kohler, que donará material para las instalaciones. Algunos de los municipios puertorriqueños que se beneficiarán son el citado de Vega Baja, Carolina, Yabucoa, Yauco, Utuado, Loíza, Caguas y el sector de Castañer en Lares. Benito Antonio Martínez, conocido artísticamente como Bad Bunny, recordó que en parques de béisbol como los dañados por el huracán María pasó muchas horas de su infancia y que significaron también el comienzo de grandes deportistas puertorriqueños como Roberto Clemente, Yadier Molina o Roberto Alomar, entre muchos otros. La presidenta de UNICEF USA, Caryl Stern, indicó que esa organización entiende que el deporte es una herramienta que puede fortalecer una comunidad y unir a la gente, razón por la que la iniciativa de los dos cantantes ayudará a la juventud de la isla caribeña. Stern agradeció además la ayuda prestada por LISC, Maestro Cares y la Fundación Good Bunny, que por medio de la iniciativa ayudan a las comunidades de Puerto Rico a contar con una opción de ocio y a iniciarse en una disciplina deportiva, un complemento fundamental en la vida de los jóvenes, según resaltó. Dentro de las organizaciones que han unido esfuerzos LISC destaca, desde 1979, por haber invertido millones de dólares para financiar instalaciones recreativas y campos deportivos en comunidades marginadas de Estados Unidos. La Fundación Maestro Cares, organización sin fines de lucro con sede en Chicago fundada en 2012, trabaja para mejorar la calidad de vida de los niños huérfanos y necesitados en América Latina y Estados Unidos. Desde que lanzó su primer hogar para niños huérfanos en la República Dominicana en 2014, la fundación de Marc Anthony ha abierto hogares para jóvenes, centros comunitarios, escuelas, hogares de adopción provisional y lanzó un programa educativo en las ciudades peruanas de Lima y Cuzco. La Fundación Good Bunny, por su parte, entre otros proyectos, lideró dos iniciativas que proporcionaron ayuda después del huracán María, que incluyeron la entrega de comidas y la reconstrucción completa de 10 hogares. El paso del huracán María por Puerto Rico dejó daños por 100.000 millones de dólares y causó la muerte de cerca de 3.000 personas. El ciclón destrozó las infraestructuras eléctricas y de telecomunicaciones, viviendas y todo tipo de instalaciones, incluidos los cientos de campos de béisbol repartidos por la geografía de la isla caribeña.

Se graba nueva serie de “El Cantante de los Cantantes” Héctor Lavoe.

La producción ‘El día de mi suerte’ es la nueva serie de Movistar protagonizada por Lucho Cáceres y que se verá en varios países de Latinoamérica. En medio de la fiebre por la final de la Copa América, el equipo de producción de Movistar llegó el domingo al Centro de Lima para grabar la serie ‘El día de mi suerte’. El actor nacional Lucho Cáceres estuvo desde la mañana y sorprendió a más de uno por su caracterización de Héctor Lavoe. Cáceres lució la ya clásica chompa celeste, pantalón y zapatos blancos. Además de los inconfundibles lentes oscuros del fallecido cantante boricua. Las grabaciones se llevaron a cabo en el frontis del tradicional Hotel Bolívar, de la Plaza San Martín, donde colocaron autos de la década de los años 80. Las grabaciones estaban siendo dirigidas por dos reconocidos cineastas peruanos, los hermanos Daniel y Diego Vega, quienes lograron gran notoriedad con sus laureadas películas ‘Octubre’ y ‘El mudo’. Los hermanos Vega también han tenido participación en “la serie más peruana de Netflix”, ‘El Chapo’. Aunque no se han filtrado detalles de la historia, el actor ganador del premio del Festival de Cine de Lima por ‘La última tarde’, no dudó en expresar su satisfacción y dar algunas pistas sobre este nuevo reto actoral. “No pierdo la esperanza de luchar y seguro que mi suerte cambiará, ¿pero cuándo será? …”. Domingo de final, domingo de chamba”, escribió en Facebook. ‘El día de mi suerte’ es una de las dos –hasta el momento– producciones peruanas que Movistar transmitirá para Latinoamérica. La primera en grabarse en Lima ha sido ‘Un día eres joven’, una comedia que co-dirige Bruno Ascenzo con Joanna Lombardi.

Cantantes de Salsa - Top Ten de todos los tiempos.

La salsa es un género que se mantiene vigente en el gusto popular, tal vez por su ritmo pegajoso, su singular sonido o su incomparable cadencia. Hoy repasaremos a los mejores exponentes de este género, músicos legandarios que vale la pena conocer. Héctor Lavoe (Puerto Rico) Llamado popularmente “El cantante de los cantantes”, Héctor Lavoe se convirtió en el fenómeno salsero de todos los tiempos, para muchos se trata del mayor exponente del género. Poseedor de una voz incomparable y estilo único, la vida de Lavoe estuvo cubierta de escándalos y vicisitudes que alimentaron más al mito. Entre sus éxitos más recordados podemos destacar: “Periódico de ayer”, “El día de mi suerte”, y “La murga de Panamá”. Frankie Ruiz (Puerto Rico) Conocido como “El papá de la salsa”, Frankie Ruiz participó en la orquesta de Tommy Olivencia y en la orquesta la Solución, pero fue como solista cuando alcanzó su mayor éxito. Entre sus éxitos más recordados encontramos: “La rueda”, “Mi libertad”, y “La cura”. Rubén Blades (Panamá) Así como Héctor Lavoe, Rubén perteneció a la cantera del sello Fania, siendo uno de los más talentosos compositores y cantantes del género salsa, famoso por sus letras de contenido social y reconocido como “El doctor de la salsa”. Entre sus éxitos más recordados tenemos: “Pedro Navaja”, “Decisiones”, y “Maestra vida”. Willie Colón (Estados Unidos) De origen puertorriqueño, Colón es considerado el mejor trombonista del género, y prácticamente una institución de la salsa, por su estilo inconfundible. Entre sus éxitos más recordados encontramos: “Gitana”, “Idilio”, y “Oh qué será”. Oscar D’ León (Venezuela) Conocido como el “El sonero mayor”, Oscar empezó su carrera como vocalista de Dimensión Latina, pero no fue hasta el trancurso de sus días como solista, cuando comenzó a disfrutar de éxito, con más de 50 discos editados. Entre sus hits más recordados se encuentran: “Llorarás”, “Detalles”, y “Mela’o de caña”. Gilberto Santa Rosa (Puerto Rico) Conocido como “El caballero de la salsa”, Gilberto Santa Rosa es uno de los mejores cantantes de salsa, su estilo es reconocido en el mundo entero. Entre sus éxitos más recordados tenemos: “Conciencia”, “Me volvieron hablar de ella”, y “Conteo regresivo”. Eddie Santiago (Puerto Rico) Para algunos, Eddie Santiago es el mayor exponente de la salsa sensual. Entre sus éxitos más recordados se encuentran: “Antídoto y veneno”, “Lluvia”, y “Todo empezó”. Luis Enrique (Nicaragua) Conocido como “El príncipe de la salsa”, Enrique es otro de los intérpretes que marcó un hito con su peculiar estilo, no solo por su voz y buena música, sino por haber cambiado la forma en que la gente veía a los salseros, en la década del 80'. Entre sus éxitos más recordados, podemos nombrar: “Desesperado”, “No te quites la ropa”, y “Yo no sé mañana”. Víctor Manuel (Puerto Rico) Conocido como “El sonero de la juventud”, Manuel es quizá el último gran talento conocido del género, ya que la escasez de intérpretes durante los últimos años, es clara. Entre sus éxitos más recordados encontramos: “He tratado”, “Ay amor”, y “El perdedor”. Jerry Rivera (Puerto Rico) El eterno “Cara de niño” es uno de los intérpretes más reconocidos del género, por su salsa sensual y melódica. Entre sus éxitos más recordados podemos nombrar: “De la cabeza a los pies”, “Cara de niño”, y “Tal vez”. Mención Honrosa Entre otros de los grandes intérpretes de salsa, podemos nombrar: Willie Gonzalez (Puerto Rico) Paquito Guzmán (Puerto Rico) David Pavón (Puerto Rico) José Alberto "El Canario" (República Dominicana) Roberto Blades (Panamá) Tito Gómez (Puerto Rico) Lalo Rodríguez (Puerto Rico) Tito Nieves (Puerto Rico).

La India Récord gana GUINNESS .

La puertorriqueña La India resulto galardonada con el GUINNESS Como cantante femenina Con Mas Números uno en tu lista rápida de la cartelera Tropical airplays, SEGÚN ONU Comunicado del Equipo de los expedientes. De Acuerdo con Una nota dada a conocer por el Comité Organizador, "con Diez Sencillos En El Número Uno y Seis Albumes en La Misma posición, localidad No Existe Otra Mujer Con Mas Éxito en las Listas Tropicales de la cartelera". Of this forma, la salsera acumula el récord Guinness: Además de una artista femenina Con Mas fonogramas en el Número Uno de los Charts de Billboard Tropical. Llamada " La Princesa de la Salsa ", La India Marcó ONU hito en la música tropical Por Sus Condiciones vocales Únicas Y Lo Que Representa Dentro de la ONU Género En El Que Los Hombres hijo majority. Con Mas de 30 años de carrera artística, la puertorriqueña ha compartido con Escenario Otros Grandes Como Juan Gabriel, y en 2018 acúmulo Más De 25 Millones de reproducciones en Spotify . Ganadora de la ONU premio GRAMMY®, Y VARIAS Nominaciones, La India FUE Elegida Este año Como Madrina del Desfile por el Día Nacional de Puerto Rico en Nueva York. "Nunca espere ganar la ONU récord Guinness y Hacerlo Precisamente por la Preferencia de mi Público me hace Sentir Más Que honrada", declaro la artista. Para 2019, se Prevé Que la India incursione en el tango ONU de la estafa del disco Inspirado en Unas clases de baile Que Tomo recientemente y La Harán Poner su sentimiento un bronceado Ese Género Difícil de Interpretar. cantante puertorriqueño de la salsa, la India es el último artista en recibir honores que celebran sus logros notables y registros de tabla en la música tropical. Marcando su carrera de 30 años, Guinness World Records ™, la autoridad mundial en récord, presentó la cantante con más sencillos No. 1 en las listas de Billboard Tropical Airplay para una artista femenina y un título adicional por su éxito en la cartelera Gráfico Album Tropical. (10) Con sencillos No. 1 y (6) álbumes No.1 ninguna otra artista femenina ha tenido más éxito en las listas de Billboard, ganándose los siguientes títulos record mundial: • La mayoría de los álbumes número 1 en la lista Billboard Álbum Tropical para una artista femenina (6) • La mayoría de los sencillos No. 1 en la lista Billboard Tropical Airplay para una artista femenina (10) El cantautor, comenzó su carrera profesional en 1986, en el cruce de género de estilo libre a la música latina con el debut de su álbum de 1992 de salsa, "Llegó La India a través de Eddie Palmieri". Su 1994 lanzó "Dicen Que Soy", solidificó su estatus como "La Princesa de la Salsa" y marcó el comienzo de una serie de comunicados de multi-platino, el # 1 y múltiples premios incluyendo un Latin GRAMMY®. Este año la India fue elegida como la Madrina de la Parada Puertorriqueña Nacional en Nueva York y actuó en el Festival de Salsa en el Barclays Center el mismo fin de semana. "Estoy muy orgulloso y honrado de recibir este reconocimiento de Guinness World Records. Esta es la culminación de años de duro trabajo y lucha para lograr mis objetivos. Estamos en un gran momento para la capacitación de las mujeres y el aliento. La gente debe seguir sus sueños y seguir adelante sin importar los obstáculos que pueden enfrentar. Doy gracias a la cartelera que ha estado allí conmigo desde el primer día, a todos los que han sido parte de mi carrera en una forma u otra, el apoyo del público, la radio y todo mi los aficionados de todo el mundo! comparto esto con todos ustedes ". dijo el cantante. "Puerto Rico es una isla de los registros. Estamos orgullosos de dar la bienvenida a La India para la familia Guinness World Records ™," dijo Claire Stephens, adjudicadora Oficial de Guinness World Records ™.

Rubén Blades regresa a la isla a celebrar sus 50 años de música.

El cantautor se presentará en concierto en el Coliseo de Puerto Rico Luego de tres años sin realizar un espectáculo en Puerto Rico, el cantautor Rubén Blades regresa a la isla para celebrar 50 años de música en su concierto en el Coliseo de Puerto Rico José Miguel Agrelot. La cita con el público puertorriqueño será el 22 de septiembre y el compositor panameño hará una fiesta al repasar su trayectoria musical e incorporar varios números de jazz que presentó durante su reciente gira por el viejo mundo. En los últimos tres años el cantautor obtuvo tres premios Grammy (versión latino y anglo), entre ellos al Mejor disco de Salsa del año 2017, por su “Salsa Big Band”. En el 2018 lanzó las producciones discográficas con “Medoro madera” y “Una noche con Ruben Blades Jazz at Lincoln Center Orchestra with Wynton Marsalis” y “Paraíso Road Gang”. Paralelamente a su actividad como cantante, participó en diversos filmes. La Universidad de New York (NYU, en inglés) lo nombró Académico en Residencia en la escuela de Educación, Cultura y Desarrollo NYU Steinhardt. La NYU entregó el premio “Dorothy Height” llamado así en honor a una de las pioneras de los derechos de la comunidad afroamericana en los Estados Unidos. El cineasta panameño Abner Benaim estrenó en el 2018 el documental sobre la vida del cantante "Yo no me llamo Rubén Blades", filme que recibió numerosos premios en decenas de festivales en el mundo. En su presentación en Puerto Rico estará acompañado por la orquesta de Roberto Delgado Salsa Big Band. La orquesta incluye veinte músicos en escena, formato con el que Blades no se ha presentado en la isla. A sus 70 años, Blades sigue tan activo como siempre, con más giras programadas, con su carrera de actor en ascenso, y como académico universitario. La venta de boletos inicia hoy a la medianoche a través de Ticketpop y la boletería del coliseo.

Tommy Olivencia Jr. trae nueva placa discográfica en homenaje a su padre con el tema “Mi Querido Viejo”

Desde la muerte del director de la orquesta la primerísima de Tommy Olivencia, su hijo Tomito se hizo cargo de esta. Éxitos de siempre como ‘Doroteo’, ‘Trucutú’, ‘Planté Bandera’, ‘El Son Cubano’, Evelio y la Rumba’ y ‘Casimira’ son temas ya son clásicos de la salsa. En aquellos tiempos, Paquito Guzmán, Chamaco Ramírez, Lalo Rodríguez, por mencionar algunos cantantes que brillaron con Olivencia. Ahora, Tomito Olivencia lanza un sencillo titulado ‘Mi Querido Viejo’, un homenaje a su padre escrito por Jerry Ferao y el mismo Tomito. ‘Tomito’ Olivencia y la Primerísima, por los pasados años han sido custodio de ese legado original. Y ahora, le llegó el tiempo con realizar temas nuevos que se enlacen con esos éxitos de siempre interpretados por la banda de su padre. “Desde que falleció mi padre siempre he trabajado el repertorio original. Son canciones que nos piden. Estoy súpercontento con el tema que tengo sonando por ahí ‘Mi querido viejo’. Nosotros siempre nos tratábamos así, mira querido… y por tal motivo quise ponerle así al tema. En una conversación con Ferao y le hablé del sentir, de cómo nos tratábamos y de ahí salió el tema. El arreglo es de Tito Rivera”, explicó. Tomito se encuentra muy emocionado porque grabó un vídeo -el primero de la orquesta en su carrera-con varios cantantes como Mel Martínez, Sammy González, Gilberto Santa Rosa, Lalo Rodríguez, Carlos Alexis, Paquito Acosta y Viti Ruiz; con un solo espectacular del trompetista Luis ‘Perico’ Ortiz en lo que es un homenaje a Tommy Olivencia. “El disco ya está completado y, en lo que sale, comenzó a sonar ‘Mi querido viejo’. La producción se llama ‘Planté Bandera de Nuevo’. El disco tiene nueve temas incluyendo ‘Planté de nuevo’ tema de Ferao también, que es como la segunda parte de ‘Planté Bandera’… una canción que nos ha permitido abrir puertas fuera de Perú, Estados Unidos y Puerto Rico. Estoy emocionado porque salga la producción. Hace cinco años se está trabajando con la producción… primero la comencé a trabajar con mi padre en el 2006, para sacar un disco… luego de su muerte, la retomé en 2013, le puse todo mi empeño y gracias a Dios ya la tengo terminada y solo espero por lanzarla”, dijo. Aunque aseguró que desea seguir trabajando el repertorio de la orquesta, está contento por aportar a temas nuevos con esta producción. Entre otras canciones de la producción se encuentra un homenaje a Chamaco Ramírez y otra canción ‘Un Legendario de Pueblo’. Tocar en las fiestas patronales y con planes de llegar a Cali, Colombia. Un homenaje a Chamaco Ramírez, otro tema dedicado a Tite Curet Alonso, ‘Un Legendario de Pueblo’ y la cuarta parte del ‘Evelio’.

Jerry Rivera fue operado con éxito de la rodilla que se lastimó, luego de su caída en Ecuador.

El cantante Jerry Rivera fue intervenido quirúrgicamente de la lesión en la rodilla derecha, tras la fuerte caída que sufrió el pasado fin de semana en Ecuador, una operación que resultó exitosa, pero que le costará la suspensión de sus presentaciones por dos meses, aproximadamente. La intervención se realizó en un hospital de Orlando, Florida y de voz del mismo cantante, “salió perfecta”. "Estoy bien, gracias al Señor, el trato aquí ha sido increíble… La operación salió perfecta, ahora estar un mes entero sin moverla para luego empezar la terapia", comentó Rivera en charla con el programa “Lo Sé Todo” de Wapa TV de Puerto Rico. Al recordar el momento de su caída, Jerry Rivera contó que fueron instantes en que le pasaron muchas cosas por la cabeza, pero por fortuna el accidente no pasó a mayores."Segundos antes de cantar, la plataforma comenzó a subir, era como un elevador. Cuando llegué al tope y que estaba a punto de salir adelante, sentí que algo se reventó, gracias a Dios que no di el paso porque la historia sería otra”. Explicó que sintió que algo se reventó e inmediatamente cayó al vacío. “Sentí que esta pierna, el cuádriceps, lo que le llamamos el muslo, se desgarró y se desprendió en un 95 por ciento. Tengo bastante resistencia al dolor, pero cuando sentí que caigo, le dije a mi representante: “Me rompí la pierna”, narró el salsero. RELACIONADOS Luego de la caída que sufrió en Ecuador, Jerry Rivera viajará a Miami para ser operado COMPARTE Luego de la caída que sufrió en Ecuador, Jerry Rivera viajará a Miami para ser operado Luego de la caída que sufrió en Ecuador, Jerry Rivera viajará a Miami para ser operado Por su parte, Félix “Rayito” López, el representante del artista, informó que la recuperación del salsero será de seis a ocho semanas , por lo que queda suspendido el calendario de presentaciones hasta que esté completamente recuperado.

Gilberto Santa Rosa quiere apadrinar y producir para urbanos

Con más de 40 años en la música, al salsero Gilberto Santa Rosa le gustaría apadrinar y producir un álbum para los cantantes urbanos en busca de que estos artistas puedan lograr una buena musicalización. Durante un encuentro con la prensa, donde ofreció detalles del concierto “El Amor de los amores”, que ofrecerá los próximos días 24 y 25 de mayo, en el Teatro Nacional “Eduardo Brito”, Santa Rosa expresó que si lo logra sería una de las “figuras grandes” en dar el primer paso a favor de ese género. “Me gustaría mucho producir para un artista urbano tratando de buscar la musicalización. Si yo puedo conseguir que un urbano haga eso llevaría un mensaje bonito, que una de las figuras grandes pueda dar el primer paso”, indicó. Con relación a esta idea, manifestó que sería un reto para su carrera, porque es “difícil componer algo que no se parezca a Gilberto Santa Rosa”. Aunque el “Caballero de la salsa”, como también se le conoce, “respeta el gusto de cada cual” para hacer música, sostuvo que no fusionaría su música con el trap, porque está muy desligada de la salsa. “Es un asunto de estilo, yo no critico a nadie que tenga lo que tenga que hacer y escuche lo que quiera escuchar, yo no me atrevería, pero lo demás, con mucho gusto, pero en términos de yo hacer una colaboración con alguien evidentemente tenemos que ser afines”, manifestó. El intérprete de éxitos como “Que alguien me diga”, “Conteo regresivo”, “Conciencia”, “Sin voluntad” y “Perdóname”, entre otros, también valoró que los urbanos sean de los primeros en hacer colaboraciones con sus colegas y con intérpretes de otros géneros musicales y recordó que en tiempos anteriores era casi imposible que exponente nuevo hiciera un featuring con uno establecido aunque pertenecieran a la misma compañía disquera. “El manejo de esos artistas era muy elitista y un baladista famoso no cantaba con un salsero. Esta gente (los urbanos) lo pusieron todo muy simple hasta la parte técnica del negocio que es lo más difícil… eso enriquece la industria”, expresó el salsero puertorriqueño que ha grabado junto a Yandel, Pablo Milané, Ricardo Arjona, Ednita Nazario y los dominicanos Milly Quezada y José Alberto El Canario, entre otros. Concierto La presentación del también denominado “El Caballero de la Salsa” forma parte de su gira “Amor de los amores” que inició en febrero pasado y llega al país de la mano de la empresa Big Show Pro. En cuanto al show que ofrecerá en República Dominicana, Gilberto Santa Rosa dijo que la música será la estrella y que entregará al público las canciones que han sido éxitos en el país y temas que la gente hace tiempo que no escucha como “Vino tinto”, porque es una de las más solicitadas. “Nunca he tenido por norma hacer un concierto con música nueva, porque la gente va a los conciertos a emocionarse y a mí me emociona verlos emocionados (…) Por eso es que las canciones son las estrellas del show”, expresó. El salsero boricua apuntó que no llevará invitados como en ocasiones anteriores.

El diccionario que explica el lenguaje de la salsa.

Un grupo de amantes de la salsa lanzó un libro que recoge los términos más usados por los salseros. Explican palabras como ‘Abakuá’ y ‘Zúmbale’, así como ritmos que van del ‘son’ al ‘guaguancó’.Salsa sin Miseria es un colectivo de cinco ‘cumbancheros‘ creadores de contenidos (producen vídeos, crean diseños y escriben blogs), que surgió gracias al auge de las redes sociales y a los diferentes ambientes de rumba de la ciudad de Cali. Sanserení, Monina, Perico Macoña, Ligia Elena e Izzy, son los seudónimos que Junior Pantoja, Estefanía López, Cristian Rodríguez, Juliana Velazco y Sergio Valdés han adoptado para identificarse dentro del equipo de trabajo. El amor por la salsa los unió hace dos años y cada uno de ellos, desde sus diferentes profesiones y habilidades (literato, publicista, diseñador gráfico, abogada y un community manager) ha aportado al crecimiento del proyecto. En principio, la aspiración del grupo era crear una página en Facebook, un pasatiempo, que convocara a varios usuarios para generar una comunidad virtual de difusión de información y opiniones respecto al movimiento salsero. Sin embargo, gracias a la acogida y al abundante crecimiento de seguidores, decidieron constituir a Salsa sin Miseria como una empresa con todas las de la ley. También le puede interesar: ¿Qué está pasando con la salsa en Cali? Uno de los contenidos que empezaron a divulgar en su página en Facebook fue un diccionario que definía algunas palabras del vocablo salsero. “¿Vos no te has dado cuenta que en la salsa hay regadas por ahí, en ciertas canciones, un conjunto de palabras, que uno las bailas y tararea, pero que no está muy claro qué significan?”, recuerda Junior. Esa misma, fue la premisa inicial que provocó curiosidad en los integrantes del colectivo y dio inicio a esa sección. Empezaron por definir ‘acará’, un distintivo pregón de Luigi Texidor, que se refiere a una abreviación de la expresión ‘¡adiós, carajo’, utilizada ante alguna situación sorpresiva. Luego de la publicación de esa primera palabra, los seguidores de la página se entusiasmaron con el material. Algunos de ellos, incluso, sugirieron otros términos. Durante aproximadamente un año, la sección del diccionario fue la más aclamada por los usuarios de la página, por lo cual, los miembros de Salsa sin Miseria, empezaron a pensar en un proyecto editorial.Así que detuvieron parcialmente las publicaciones en redes y comenzaron un proceso más formal de búsqueda e interpretación de palabras. Cristian recuerda que “un acontecimiento fundamental de la investigación se dio gracias a la oportunidad de coincidir con ciertos artistas que dieron sus opiniones o definiciones frente a una parte importante de los términos que son incluidos dentro del diccionario”. El resultado: un diccionario salsero que contiene 159 términos, dentro de los cuales hay palabras heredadas de la cultura africana (como bruca maniguá), de la santería yoruba (como Iroko y lucumí), de la gastronomía (como cuchifrito) y algunas propias del ambiente de rumba (como bonche o juma). Además, incluyeron algunas ilustraciones que complementan ciertas expresiones. En audio: La salsa que nació en el frío El diccionario también cuenta con una lista de reproducción con canciones asociadas a cada uno de los vocablos. El libro tiene un costo de $30.000 y se puede adquirir, por ahora, a través de las redes sociales de Salsa sin Miseria (Facebook, Instagram y Twitter). Gracias a este proyecto, los salseros (y no salseros) sabrán qué fue aquello que Songo le dio a Borondongo y a su vez le dio Bernabé, cómo se define a aquel que juega el 701 y le sale el 702 y cuál es el plato típico servido en las fiestas de Pilito.

Michael Stuart revive en "El guardia" una historia de éxito.

El cantante y actor Michael Stuart se mete en la piel del empresario Juan Rosado para contar cómo un guardia de seguridad del pueblo de Corozal llegó a convertirse en multimillonario mediante el mundo de los negocios de las redes de mercadeo. Es, como explica su protagonista, la historia de un niño que siempre tuvo grandes sueños por vivir. La película “El guardia”, que estrena hoy en el Festival de Cine de Cannes, dentro de “Le Marché du Film”, un mercado amplio para filmes de todas partes del mundo, se basa en el libro “El guardia que compró su sueño: Juan Rosado” que salió al mercado en el 2012. Aunque el filme se grabó hace cinco años el empresario –productor del flme que cuenta su historia- prefirió esperar hasta sentirse totalmente complacido con el trabajo. “En ese lapso se cambiaron escenas, y se revisó el libreto”, compartió el salsero sobre el largometraje dirigido por Jaco Dukes. Stuart se sorprende con el parecido que tiene con Rosado desde lo físico, “hasta en lo coco pelao”, pero además en la ruta que han seguido sus respectivas vidas. “Es casi un retrato de mi vida; yo repartí periódicos, vendí zapatos y artículos de surfing, además tuve que ayudar a mi mamá a coser ropa. Yo no nací con una cuenta de banco como muchos jóvenes de hoy día que tienen el apoyo económico de sus padres”, aclara el vocalista. Mientras, Juan Rosado explicó que eligió a Stuart tras conversar con él, porque es “carismático, motivador, alegre y de Puerto Rico”.Confiesa Stuart que “sufrí humillaciones como lo hizo ese hombre (Rosado), músicos que se rieron de mí en la cara, hasta que logré el éxito”. Señaló que el propósito de esta producción “no es una venganza sino dejarle ver a la gente en dónde esta parado cada uno… Cuando alguien logra algo importante, dicen ‘qué palo’ pero para llegar a ese éxito tuviste que caerte y levantarte. Tienes que llorar, secarte las lágrimas, reírte y arrancar de nuevo sin freno”. Habla el protagonista La historia de Juan Rosado es la de un hombre que conociendo el potencial que tenía, ve como lo pierde a través de decisiones equivocadas a nivel personal y económico, lo que se refleja en quiebras y divorcios. “Ahora con la madurez es que me doy cuenta que la ignorancia es atrevida”, comentó Rosado a El Nuevo Día. El empresario de 54 años, cuya madre crio 12 hijos con el poco dinero que ganaba su padre en tres trabajos en Corozal, aportaba a la familia recogiendo botellas para vender desde casi un niño. “Desarrollé la visión de soñar, de conquistar diferentes cosas con mi esfuerzo. Gané un trofeo en octavo grado vendiendo periódicos. Comenzaba temprano y como a las 8:00 de la noche seguía vendiendo en una esquina. La gente paraba por pena y los vendía, no me rendía”. Abandonó la escuela a los 16 años y con el dinero que le daban por limpiar patios se fue a Miami sosteniéndose con tres trabajos a la vez. Con los ahorros y la ayuda de un amigo cubano montaron un vídeo club y fracasó, después puso un taller de ebanistería y tampoco tuvo resultado. “Nada funcionó y terminé en quiebra perdiendo todo. Regresé como el hijo pródigo y un amigo me ofrece un trabajo de seguridad en Guaynabo en el 1996. Cuando entré a esa caseta no tenía ni siquiera para comer y le pedí que me adelantara algo de dinero y gasolina. Estuve comiendo atún enlatado y pan por dos semanas. Cuidaba 248 autos trabajaba 12 horas, el domingo era mi único día libre. En la caseta empecé a escribir mis libros de autoayuda para mantener la autoestima”. La buena racha llegó a la vida de Juan en el 2000 a través de un amigo veterinario, Herminio Nevárez, a donde llevó a su perrito. “Me refirió a un negocio de redes de mercadeo. Me presentó la oportunidad y como confiaba en él decidí hacer lo que yo hacía en la escuela, que era copiarme. El 17 de diciembre del 2001 me retiré, y me marché en limusina con Nevárez. El éxito era compartir la oportunidad con otras personas, muchos se burlaron. La compañía multinivel con la que Rosado lleva desarrollando su negocio hace 16 años, es 4Life, una distribuidora independiente de productos nutritivos y con esta ha expandido su propia empresa a República Dominicana, otros países de Latinoamérica e incluso a Rusia y Alemania.

Domingo Quiñones: “Me siento sumamente bien”.

El éxito arrollador de algunos intérpretes de la música urbana y de ese género musical a nivel mundial es producto de una unidad que, a juicio del cantante Domingo Quiñones, debió darse en la salsa hace largo tiempo. Para el sonero, la popularidad de estos talentos jóvenes adultos dentro del reguetón, el trap, el hip hop o el dancehall es merecido, y debería ser emulado, aunque advierte que no estar a ese nivel no minimiza a los exponentes de la música afrocaribeña. “Los reguetoneros a veces ni cobran por cantar con los otros y las disqueras les dan una libertad increíble. Hoy día la unidad los ha llevado a donde están. Aunque yo no apruebe muchas de sus temáticas, tengo que decir que ese trabajo que están haciendo es el que se debe hacer”, resaltó. “Hay muchas personas que quieren cerrar su mente a una única posibilidad, pero creo que como hace Víctor (Manuelle), como hace Gilberto (Santa Rosa, de grabar con intérpretes de otros estilos musicales), es una buena manera de mantenerse vigentes, pero así como me gusta Ismael Rivera, Chamaco Ramírez, Justo Betancourt, tengo que decir que a mí la voz de Ozuna me causa algo bien brutal, esa juventud de la voz, ese tono tan peculiar, me encanta”.No por ello deja de admirar a su rapero “de toda la vida”, Vico C, a quien considera “el papá de los pollitos”. El salsero grabó en el 2002 el tema Se necesita un milagro a dúo con la intérprete de música urbana Ivy Queen, “así que eso me hace a mí parte del género directa o indirectamente”. Quiñones, de 56 años, pasa una temporada en la Isla en espera de su primer nieto varón (será el tercero en total) y como parte de la antesala a su presentación en el Aniversario de la Salsa el domingo, 2 de junio, en el Estadio Paquito Montaner en Ponce. En el evento se unirá a la celebración de los 25 años de la producción La combinación perfecta, que produjo el desaparecido sello discográfico RMM. “Esto es un trip brutal”, reaccionó a lo que será el encuentro que reunirá a Tito Nieves, India, José Alberto “El Canario” y otros. “Ver a mis compañeros con menos pelo o el pelo blanco, y remontarnos a esos tiempos de chamacos de 30 años... Esto es remontarme a una era tan mágica”. Como parte de su presentación cantará a dúo con quien fue su modelo mientras iba creciendo en la música, Ismael Miranda. Juntos interpretarán una canción que cantó el recordado Cheo Feliciano con Peter Conde (Soneros de bailadores). “Estar en los zapatos de Cheo no está fácil, entonces es con Ismael, que yo quería ser Ismael cuando era chamaquito”. Este evento incluirá además las presentaciones de Jerry Rivera, El Gran Combo de Puerto Rico, Bobby Valentín y Son Divas.El intérprete de Tú cómo estás, No voy a dejarte ir y Enséñame, dijo, se mantiene activo mayormente en escenarios fuera de la Isla, entre Europa, Estados Unidos y otros países de Latinoamérica, como México y Panamá. En cada tarima busca llevar su mensaje de solidaridad con el cantante Sammy Marrero, quien está limitado de interpretar los temas que fueron populares en su voz mientras formó parte de la orquesta La Selecta. Esto producto de una demanda de la familia Raphy Leavitt en reclamo de derechos de autor. En lo personal, Quiñones se ocupa de ayudar en el cuidado de su madre, Carmen Arroyo, quien hace cerca de 14 años fue diagnosticada con Alzheimer. El salsero apoya a su hermana menor, Milagros Robles, a cuidarla en Massachusetts, donde es su segundo lugar de residencia. “Soy el que la pone a dormir todos los días en que estoy allá”, comentó. Musicalmente, anticipó, presentará pronto un sencillo a dúo con una figura con la que siempre quiso grabar, y posteriormente presentará un proyecto de alabanza y adoración. “Me siento, además de agradecido, sumamente bien”. Aniversario de la salsa La emisora Salsoul celebrará nuevamente su cumbre salsera, esta vez el domingo, 2 de junio en el Estadio Paquito Montaner en Ponce. Celebrarán los 25 años de la producción La combinación perfecta, del desaparecido sello RMM.

Frankie Ruiz regresará al escenario gracias a la tecnología.

Han pasado 20 años desde la muerte del salsero Frankie Ruiz. Desde entonces, sus éxitos de salsa romántica han perdurado en la cultura popular como si hubiesen sido lanzados al mercado recientemente. De acuerdo con cifras de la plataforma Spotify, el canal de Ruiz en este sistema de publicación, cerca de un millón de personas escuchan su música mensualmente. Alrededor del mundo, “Mi libertad”, “Desnúdate mujer” y otros de sus éxitos continúan en las listas de popularidad, pero en las Islas Canarias en España continúa siendo un ídolo de multitudes. Es por esto que un grupo creativo, liderado por el productor español Carlos Zerolo, se prepara para lanzar un proyecto que permitirá que Ruiz regrese al escenario gracias a la holografía. Zerolo fue el promotor de José Antonio Torres Ruiz, verdadero nombre del intérprete, durante todas sus presentaciones en vida realizadas en España, y adelantó a El Nuevo Día los detalles de este ambicioso espectáculo. “Es un proyecto que adapta un show en vivo a las nuevas tecnologías del más alto nivel, mediante un software desarrollado exclusivamente para este proyecto que dota de nueva vida a Frankie”, expresó el promotor.La iniciativa consistirá en una obra multimedios que fusionará una orquesta tocando en vivo con todos sus músicos, elementos audiovisuales, pietaje de conciertos reales que Ruiz ofreció en vida y artistas actuales en vivo. Ruiz será proyectado mediante holograma. ¿Por qué eliges la figura de Frankie Ruiz para un proyecto de este tipo que puede ser tan retante?, preguntamos. “Porque es el mejor salsero que ha dado la historia, porque es el único que después de 20 años sigue sonando a diario en todas las emisoras latinas del mundo, porque llegó a dos generaciones y murió muy joven dejando un legado musical inigualable”, expresó el representante de famosos artistas. Zerolo tiene una larga historia con la carrera de Ruiz y se ha encargado de que el público no lo olvide. “Hace 15 años, le hice un homenaje a Frankie en Tenerife y traje a reconocidos salseros a interpretar sus canciones. Se grabó en DVD y se distribuyó a nivel internacional con mucho éxito. Entonces la China (como le llamaba a Judith Ruiz), su mujer, que quedó encantada con ese evento titulado ‘Va por ti Frankie’. Siempre nos quedamos con las ganas de volver a hacerle un gran tributo, pero yo no quería hacer lo mismo de quince años atrás, sino algo adaptado a los tiempos que vivimos, incluyendo las nuevas tecnologías. Así surgió la idea”. Zerolo además compartió que los inversionistas del proyecto “son también boricuas” y que aspiran a vender 50 fechas en la primera edición. Explicó que el espectáculo se grabará en su totalidad por equipos de realidad virtual en 360 grados y podrá ser vizualizado a través de gafas de “virtual reality”. Reunión de talentos En este sueño para honrar al intérprete de “Esta cobardía”, se une un grupo de profesionales como los puertorriqueños Normaris Cruz, a cargo de la carrera de múltiples artistas locales, como directora; el productor musical, director de orquesta y profesor Ramón Sánchez, responsable de muchos éxitos en la música tropical y quien se encargó de la dirección musical del homenaje “Va por ti, Frankie” en Tenerife. También participa el ingeniero Yamil Martínez quien se ocupará de procesar los audios originales con la voz de Frankie, Alexander Beim desarrollo 3D, David Reyes desarrolló 3D y 7D, y Oswaldo Brito, quien desarrolló la plataforma. Los derechos de autor son de Judith Ruiz y Universal Music. Frankie Ruiz 2020 “El Show Virtual” está pautado para estrenarse en noviembre del próximo año. Hasta el momento, comenzarán con presentaciones en Tenerife, Nueva York, América Latina y, por supuesto, Puerto Rico.

Desfile hará homenaje a José Feliciano, La India y Edgar Martínez.

NUEVA YORK.- El Desfile Nacional Puertorriqueño rendirá homenaje este año a José Feliciano, La India, Chichí Rodríguez, Alberto Carrión, Edgar Martínez, Dagmar Rivera y Ana María Martínez. En el evento, a ser realizado el domingo 9 de junio en la quinta avenida de Manhattan, también serán reconocidas con título especial por sus contribuciones, el maestro Pablo Cassals y Pura Belbré, pionera bibliotecaria y escritora puertorriqueña. La Fundación Ricky Martin estará entre los reconocidos por su labor educativa y preventiva en la lucha contra la trata humana.La Fundación Honrará también a atletas que han dejado su marca en la historia deportiva de Puerto Rico, entre estos, el equipo nacional de baloncesto de 1979 que compitió con el equipo de los Estados Unidos por la medalla de oro en los decimoterceros juegos Panamericanos y del Caribe en el 1979. Resalta la institución que durante la celebración de la misa jíbara en la Catedral de San Patricio en la Quinta Avenida en Nueva York, el domingo 2 de junio, se harán reconocimientos póstumos a varias personalidades fallecidas el pasado año; entre estos Héctor Ferrer, político y abogado, y Keyla Hernández, periodista y presentadora de televisión de Wapa TV. Este año la parada será dedicada al municipio de Loiza y estará reconociendo esa comunidad radicada en Houston, Texas. Recordó la entidad puertorriqueña que por tercer año consecutivo otorgará 100 becas a estudiantes excepcionales que incluyen de cuarto año de secundaria de esa descendencia y primer y tercer año de universidad. Añade, que cada jóven recibirá una beca de $2, 000 dólares.

El Merengue en el Grammy Awards 1986.

Fue en 1986 cuando la música dominicana, por primera vez, decía presente en los Grammy Awards, prestigiosa distinción otorgada por la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación de Estados Unidos. Fernando Antonio Cruz Paz, conocido artísticamente como Bonny Cepeda, sería quien escribiría ese “antes y después” en la historia del merengue con el álbum “Noche de Discotheque”. La producción fue nominada en la categoría “Best Tropical Latin Performance”. Aquí Bonny competía con los álbumes “De Nuevo” de Celia Cruz y Johnny Pacheco; “Free Spirit” de Mongo Santamaría y Los Latin Jazz Orchestra. También fueron nominados “Mucho mejor” de Rubén Blades y “Solito” de Eddy Pamieri, resultando este último el ganador. Para la época Bonny Cepeda, a quien apodaban “El Maestro Joven”, era un músico arreglista con una gran reputación en el ambiente artístico, específicamente en el merengue, y había recorrido varias producciones con un impactante éxito. “Cuando recibí la noticia que mi disco Noche de Discotheque había quedado nominado al Grammy fue un momento de mucha emoción. En principio no asimilaba de qué se trataba cuando mi disquera me comunicó la nominación. Recuerdo ese momento y todavía me emociono”, expresó el músico al conversar con LISTÍN DIARIO. Este álbum contenía los temas “Noche de Discotheque”, “Ya mismo partiré”, “Vuelve”, “Ladrón de tu amor”, “Mehui, mehui”, “Tu con él”, “Quisiera ser” y “Me acostumbré”. Según Bonny fueron merengues con arreglos superiores, en donde experimentaba con las fusiones. “Para mí fue nominado porque cuenta con buenos arreglos musicales en el que presentamos a un merengue más consumible para otros públicos”, expuso. Concierto El merenguero celebrará el sábado 35 años de trayectoria artística en Hard Rock Live. Sin embargo, aclaró que estos no son los años de toda su carrera, sino que decidió celebrar después del hit “Una fotografía”. El show en Hard Rock es una producción de EH Eventos, de Evelio Herrera. “Este espectáculo tiene un gran significado para mí. Tengo la oportunidad de poder mostrar a todos lo que puedo hacer y lo que he hecho a lo largo de estos años, de poder compartir esta celebración con personas que han dado mucho para mi aporte musical como son Richie, mi media mitad; Carlos David, El Zafiro y otras grandes sorpresas que me acompañarán ese día”, manifestó.

Marc Anthony lanzará el 10 de mayo su octavo disco de salsa, “OPUS”.

San Juan.- El salsero de origen puertorriqueño Marc Anthony lanzará el próximo 10 de mayo su nuevo disco, “OPUS”, su primer álbum de estudio en seis años y su octavo en el ritmo caribeño de salsa, informaron este lunes los representantes del artista. Grabado en el Art House Society y Criteria Studios en Miami, Florida, “OPUS” “es una obra maestra de salsa de vanguardia” de Anthony, según se resaltó en un comunicado de prensa este lunes. En el álbum aparece Marc Anthony colaborando nuevamente con el pianista y productor puertorriqueño Sergio George, quien produjo algunos de los primeros éxitos del cantant, así como el álbum “3.0” (2013). En “OPUS”, según se explicó, “los elementos fundamentales están siempre presentes- Una poderosa banda compuesta de los mejores músicos del ámbito del entretenimiento, que le ofrecen tremenda nota a los fanáticos a los que les gusta sudar en la pista de baile, combinado con inspiradoras y apasionadas letras sobre el amor y sus consecuencias”. El disco además “contiene una magnífica orquestración construída sobre una infraestructura de trompetas y trombones en la tradición de salsa, un impulso rítmico con base en estilos contemporáneos y heredados de Cuba y Puerto Rico con toques de Colombia, Jamaica, España, jazz, y muchos más, para crear un estilo pop panesférico que suena natural en cualquier país de las Américas”. El primer sencillo de “OPUS” fue “Tu Vida en La Mía”, de la autoría de Marc Anthony, la panameña Erika Ender y el dúo de hermanos venezolano San Luis y se estrenó a principios de 2019. El segundo sencillo, “Parecen Viernes”, escrito por Marc Anthony, Édgar Barrera, Sergio George, Maluma y Stiven Rojas, fue estrenado el 19 de abril. Los otros temas de “OPUS” son “Un Amor Eterno”, “Si Me Creyeras”, “Soy Yo”, “Lo Que Te Di”, “Úsame”, “Si Pudiera”, “Lo Peor de Mí” y “Reconozco”.

La voz cantante de la orquesta de Eddie Palmieri.

Herman Olivera, antes de tomar el micrófono para empezar su show salsero en el escenario, se abraza simulando hacerlo al público. Su traje, siempre impecable en cada presentación; su voz, inconfundible, limpia, y su versatilidad a la hora de improvisar (sonear) lo hacen único. Quizá esta fue una de las características que tuvo en cuenta Eddie Palmieri para llevarlo a su orquesta como voz líder. De eso ya han pasado más de 20 años, y el sonero del siglo XXI, como lo bautizó el propio Palmieri, sigue deleitando a los amantes de la salsa. Sus inicios en la música empezaron cuando tenía 15 años, y desde entonces no ha dejado de sonar, ha compartido tarima con todos los grandes de la salsa y ya es hoy uno de esos grandes. Olivera, en su reciente visita a Bogotá, habló con el TIEMPO acerca de su carrera profesional, su paso por el Conjunto Libre, de Manny Oquendo, y su relación con los demás salseros. Vamos a sus primeros años. Encontré que su nombre verdadero nombre es Hermenegildo Olivera, ¿cómo nació entonces Herman Olivera? Cuando estaba en la escuela, una de mis profesoras no podía pronunciar Hermenegildo. Aunque ella lo intentó varias veces, fue imposible. Entonces me dijo: “Desde hoy te llamaré Herman, Herman Olivera”. Llegué a mi casa y les conté a mis padres; no hubo disgusto alguno, y decidí desde ese momento llamarme así. Vamos a lo musical: comienza su carrera en 1974, ¿con qué agrupación? Empecé con la orquesta La Justicia II en Nueva Jersey (Estados Unidos), tenía 15 años. Mis padres son puertorriqueños y llegaron a Estados Unidos con el éxodo de los años 50 del siglo pasado y se establecieron en Nueva Jersey, donde nací y me crié. Recuerdo que en las vacaciones íbamos a Puerto Rico; allá escuchaba la música de Tito Puente, Mon Rivera, el Gran Combo de Puerto Rico, entre otros artistas. ¿Cuánto duró en ese grupo? Fue casi un año con ellos. Luego salto a la orquesta La Sónica; allá conozco a Edwin Bonilla y a Jimmy Bosch, mi amigo de toda la vida. Después de La Sónica me voy al conjunto Caramelo. Este era un grupo que se formó con temas inéditos. Animábamos bodas, bautizos, divorcios, íbamos a donde nos invitaban. Muchas veces fuimos teloneros de las grandes orquestas de la década de los 70, también de la dinastía Fania. Esto pasaba en Nueva York y Nueva Jersey. ¿Su llegada al Conjunto Libre cómo se da? Estando en una actividad a la que asistieron Ismael Rivera, Bobby Rodríguez y la Compañía y el Conjunto Libre, del cual yo ya era fanático, vieron y escucharon nuestra presentación con el conjunto Caramelo. Después del toque, bajé y conocí a Manny Oquendo, quien era timbalero y bongosero del Conjunto Libre; también estaba Andy González, el director musical, y Pupi Cantor, el vocalista. Le di el teléfono a Pupi, y días después me llama Andy González para cantar con el Conjunto Libre. Ahí empiezo una etapa más grande, más profesional, en Nueva York; estaba ya en las grandes ligas de la música. El festival Salsa al Parque revela su cartel Medio siglo del primer concierto de la Fania All-Stars Las 10 de la salsa infaltables en el fin de año ¿Qué graba con ellos? Mi primera producción discográfica es Libre increíble, bajo el sello Salsoul. En este trabajo están las canciones Decídete, No me eches la culpa, Traicionera y Goza la vida. Luego vino Ritmo, estilo y sonido, que es este long play (lo muestra); ahí está el tema Qué humanidad, corría el año 1983. Maestro Olivera, vamos a dar un salto en su carrera artística, y para los amantes de la salsa es muy importante su paso por la orquesta de Eddie Palmieri... Siempre he sido fanático de la música de Eddie Palmieri con Ismael Quintana (que en paz descanse), fue parte de mi crecimiento y de la ola salsera que arrasó en el mundo y en Nueva York en los años 70. ¿Cuándo empieza a tocar con Eddie, en dónde estaba usted? Trabajaba con el maestro Johnny Pacheco y recibí una llamada de la oficina de Eddie. Me dijo que quería que trabajáramos un tiempo corto, pues con él estaban Ismael Quintana y la India. Luego de ese corto paso regreso al Conjunto Libre, era el año 1993. En 1995 me llaman de nuevo de la oficina de Eddie Palmieri, y me hicieron una oferta que no podía rechazar. Era una gira por Europa; hicimos 26 conciertos en 11 países, durante 31 días. En ese tour es en el que el maestro Eddie se percata de mi talento y me ofrece grabar una producción que se denomina El rumbero del piano. Esa es mi primera grabación con él. ¿Qué canciones hay en ese álbum? Están Oigan mi guaguancó, Dónde está mi negro. Grabo una versión de la canción Malagueña salerosa que fue un éxito instantáneo. Ahí empiezo a viajar por el mundo con quien es mi padrino musical y con quien es el sol de la música. Hoy ya tengo cerca de ocho o nueve producciones discográficas con la orquesta de Palmieri. Háblenos de esas producciones con Palmieri. Volvimos a regrabar los temas que ya se habían hecho con Ismael Quintana. Grabamos dos producciones, una titulada La Perfecta II y la otra, Ritmo caliente; en esa están las canciones El Tutu Tata, Tirándote flores, Ritmo caliente y el Molestoso, entre otras. Usted grabó con Tito Puente un álbum que salió al mercado luego de que él murió. Se titula Obra maestra y es una idea de Eddie Palmieri con Tito Puente. Unimos las dos orquestas para esa grabación. Se hicieron los arreglos y participaron otros vocalistas, era el año 2000. Con esa producción ganamos dos Grammy. Un coleccionista de Bogotá, Diego Rodríguez, me pidió preguntarle por ‘Privilegio y honor’. Ese tema lo compuso Jova Rodríguez, a quien, además, le he grabado un montón de canciones, como Boricua hasta la muerte, Cuando el amor se acaba, el son de Herman, entre otras. Recuerdo de Privilegio y honor que faltaba un tema para terminar una producción, y Jova Rodríguez me dijo que tenía uno que le había escrito a su hijo Kervi, que lo tomara y le pusiera el nombre de mi hijo Giovanny Herman en uno de los soneos. La llevé a la compañía, la aceptaron, le hicimos los arreglos y quedó lo más chévere. Es una canción con una letra muy profunda y gusta mucho. Usted le hace un tributo a Justo Betancourt cantando ‘Pa’ bravo yo’, ¿cómo es esa historia? Esa letra es de Ismael Miranda, y ese tema le pertenece al matancero mayor, al único, al número uno: Justo Betancourt; además, esa es su canción bandera, su emblema. En una gira por Puerto Rico con Frank Ferrer y la Descarga Boricua, yo llevaba listos mis dos temas originales para tocar; uno de ellos era Qué humanidad y otro. En el ensayo, Ferrer me dice: “Vas a cantar Qué humanidad, y quiero que cantes Pa’ bravo yo”. Me sorprendió, y le respondo: “¿Por qué tú quieres que yo cante esa canción si es de Justo Betancourt? Yo tengo mis temas y no creo que funcione”. Ferrer me dijo: “Sí va a funcionar, y tú vas a hacer algo lindo con ese tema”. Yo seguía sin entender, y lo contradecía. Al fin tuve que ceder, pues él era el productor. Al final le contesté: “Está bien, la voy a grabar, pero no estoy de acuerdo, respeto esos temas grandes”. ¿Y al final qué pasó? Me fui para el hotel y estaba tan estresado por eso que me enfermé, me dio catarro. Ferrer me dice: “Vamos a hacer una cosa, lo grabas y si no sale bien, no lo incluyo en el video, pero si funciona va completo”. Al fin lo grabamos, y a él le gustó, mientras que yo le buscaba las imperfecciones y lo negativo; al final me dijo que lo dejáramos. Salió el disco. Y el video. Y la gente empezó a pedirlo. Me decían: ‘Haz el tributo a Justo con Pa’ bravo yo’; decidí meterle soneos, y finalmente le rindo un tributo al matancero mayor. ¿Hizo parte del sello Fania? Nunca tuve una historia con Fania. Trabajé con Johnny Pacheco año y medio en su grupo, al que denominamos el Tumbao Añejo. Acompañaba a Celia Cruz, Pete el ‘Conde’ Rodríguez y Héctor Casanova. Yo cantaba mi par de temas. Viajé con él y aprendí mucho. Cuando está en su casa, ¿qué música escucha? Escucho jazz de Charlie Parker, Miles Davis, también se oye Frank Sinatra, al igual que música brasileña. Rosario Flores, Marco Antonio Muñiz y, por supuesto, Herman Olivera. ¿Cómo se define? Como un narrador bien guarachero. Cuéntemos de sus visitas a Bogotá... La primera fue en un Salsa al Parque, y las otras dos, para presentarme en una discoteca salsera, pero pienso seguir viniendo mientras el público me pida.

Las intimidades del Conjunto Clásico que reveló Ramón Rodríguez.

“El Conjunto Clásico nació en Nueva York pero se crió en Cali”, con esta frase resume a uno de los más importantes conjuntos musicales el compositor boricua Ramón Rodríguez, quien visitó a nuestro amigo Oscar Jaime Cardozo Estrada de Planeta Salsa en Cali, Colombia para hablar de lo humano y lo divino, de los amores y desamores que se tejieron en la intimidad del Conjunto Los Rodríguez, como en alguna época también se le conoció al Conjunto Clásico.Ramón Rodríguez (R.R): Entre 1967 y 1969, estuve prestando el servicio en el ejército, en Vietnam, y al terminar mi servicio yo ya tenía la inquietud de escribir. El primer tema que hice tiene tintes patrióticos y dice: Borinquen Patria Mía, me encuentro lejos con la esperanza algún día de volver a mi suelo. Virgencita milagrosa tú que todo lo puedes, soy un soldado que quiere regresar regresar a Puerto Rico.El primero en grabarme un tema composición mía fue Kako Bastar y sus estrellas, y la verdad, no recuerdo el nombre pero fue en el año 1972. Siempre he tenido la tendencia a componer con el espíritu de la gente, del campesino, de lo que le sucede a la comunidad. Ese fue el camino que escogí, mi vocación. Incluso hacia el año 75 cuando Ismael Miranda sale de la orquesta de Joy Pastrana, iba a hacer un álbum con Junior González, pero Junior no vino y me pusieron a mí a cantar. Hice el disco completo, pero yo sabía que lo mío no era cantar sino escribir, componer, y en eso seguí. P.S. Su línea muy del estilo de Don Pedro Flores, Rafael Hernández y Daniel Santos con sus canciones patrióticas. R.R. Sí, es cierto, incluso yo le decía a Tito Nieves que yo era su Pedro Flores, y él era mi Daniel Santos, y fíjate que le escribí más de 90 temas a Tito. P.S. ¿Usted es el creador de La Masacre, porque no siguió con esta agrupación? R.R. en 1979 yo estaba haciendo coros con Johnny Pacheco, después de cuatro años trabajando con él y aprendiendo mucho de la música. Me dijo, tu puedes correr ya sólo, insinuándome que iniciara mi carrera independiente. Al salir de la orquesta de Pacheco, Tito estaba haciendo coros con la orquesta de Héctor Lavoe, pero solo para los boleros. Gracias al capital que aportó una persona conocida mía que se llama Héctor Soto, le propuse traernos a Tito Nieves e irnos a Puerto Rico para producir un álbum allí. La orquesta que creamos fue La Masacre, que luego, puedo decir, se la regalamos a Julio Castro. P.S. ¿Cómo nace el Conjunto Clásico? R.R. Con La Masacre, pegamos en Puerto Rico “El Pregonero”. Me fui a Nueva York con el LP debajo del brazo y se lo mostré a Ramón Castro, que tenía en ese momento seis almacenes de calzado y estaba muy bien económicamente. A él le gustó mucho lo que escuchó y me propuso crear una nueva orquesta con otro nombre, para lo cual Tito estuvo de acuerdo también. Eso fue en 1979, e Ivonne, mi esposa, fue la que le puso el nombre de Conjunto Clásico, porque había una agrupación en Venezuela que se llamaba Sonero Clásico Caribe, y sobre ese nombre ella se inspiró, cambiándole Sonero por Conjunto y desapareciendo el “del Caribe”. El primer tema que pegamos fue “Los Rodríguez” e iniciamos con la primera gira y fue precisamente en Colombia, junto a la Fania, y vinimos a Barranquilla, Bogotá y Cali, traídos por el señor Larry landa. P.S. ¿Cuál es la historia detrás de Los Rodríguez, la temática está basada en su familia? R.R. (Risas) no, la historia surge de una familia promedio puertorriqueña. Se basa en los que se van de su patria. Y Rodríguez, porque si tú coges el directorio telefónico allá te vas a dar cuenta que más de la mitad de las hojas vienen con el número telefónico de miles de familias con apellido Rodríguez. Mi apellido es el más común en la isla. P.S. ¿Y en qué se inspiró para componer Sin Rumbo Alguno? R.R. Fíjate que yo no sé cómo surgió. La canción me salió y a lo último yo mismo me pregunté, cómo así que “vive la vida como la debes vivir, y nunca intentes subir donde no puedes subir”, cuando yo creo que eso no es real, porque pienso que uno sube donde debe, no donde puede. Arranqué a escribir, acabé y después le puse el título. En Colombia fue uno de los temas que más éxito tuvo con el Conjunto Clásico.¿Cómo salen Ramón Rodríguez y Tito Nieves del Conjunto Clásico? R.R. La cosa se estaba volviendo insostenible. Tito Nieves, y él mismo lo dice, estaba perdido en las drogas. Empezaron los incumplimientos y las irresponsabilidades. Ya no nos aguantábamos a Tito, y a mí tampoco me aguantaban, porque yo también andaba en las mismas, no tan irresponsable, pero también me tenía agarrado la droga. Entonces le dije que ya había llegado la hora que se fuera del conjunto. Él aceptó, y (risas) no había pasado una semana de su partida, y llegó Raphy Mercado y lo firmó. El primer tema que hizo con él fue “Sonámbulo”. Arranca Tito con ese tema y dejó de usar la droga. Se volvió una persona seria y muy comprometida con el negocio. P.S. Pero nos hemos dado cuenta que viene un trabajo discográfico suyo con Tito Nieves. R.R. (Risas) Estas bien dateado. El que lo quiera saber que lo sepa. Es un documental de la vida de los dos, que incluye mi música. Vamos a hacer el tema que canto Pedro Arroyo “Tristeza en el barrio”, cosas que no tienen nada que ver con el Conjunto Clásico, para no molestar a nadie. Ese es un proyecto sobre el que estamos trabajando, aunque tenemos otro que se llama “Los Cincuentones”, para el cual ya tenemos tres temas hechos y lo publicaremos el año que viene. P.S. Hablemos del rompimiento con Ramón “Ray” Castro R.R. Bueno. Voy a decir la verdad. En 1986 tanto Ramón Castro como yo tuvimos problemas con la Justicia y estuvimos presos. Cuando Ray Castro estaba en la cárcel, a mí me empezaron a pagar como músico y no como director. Yo no estuve de acuerdo y le dije a Ray que se quedara con el Conjunto, yo siempre me he pensado como compositor y nos como director, por lo que no me importaba mucho irme del Conjunto Clásico. Mira, yo he sido desprendido de las cosas. La orquesta La Masacre, era mía, y ahora el conjunto Clásico que era mío, no tenía problema en regalarlo. Después creé la agrupación 344 que terminé cediéndola también. Yo soy compositor, yo no soy empresario. Le voy a decir una verdad de a pulso. Cuando hicimos el Conjunto Clásico con Ramón Castro, íbamos mitad y mitad. Le estoy diciendo la verdad. Yo esto nunca lo había dicho, pero lo tengo que decir porque estamos aquí, y porque tú eres un coleccionista y debes saber la verdad. Pasó el tiempo y empezábamos a arreglar los líos judiciales, pero cuando me di cuenta, yo ya no era dueño del Conjunto Clásico, yo era un trabajador del conjunto, y el arreglo desde el principio era que íbamos mitad y mitad, y al final terminó la cosa con que el conjunto era de Castro, pero en desventaja para mí, mis obras, lo que yo escribí, si eran mitad y mitad con él. De los ingresos que generan los derechos de autor de mis composiciones, Ray vive con la mitad y la otra mitad es mía. Del conjunto Clásico sí no, nunca puede volver a tener derecho sobre la mitad que en honor a la verdad me corresponde, porque Ray Castro se quedó con todo. P.S. ¿Pero ustedes al inicio registraron el nombre y protocolizaron la sociedad? R.R. Claro que sí, pero con el correr del tiempo y cuando fui declarado solo como trabajador del conjunto, fui a hacer la reclamación, pero se me respondió que los documentos todos se habían quemado en un incendio, y que ya no existían las escrituras de creación de la sociedad. Sucediendo esto Ray Castro aprovechó para poner el Conjunto Clásico sólo a su nombre.

“Alunizando”: El disco inédito de El Gran Combo.

El disco Alunizando de El Gran Combo de Puerto Rico, es el trabajo inédito que lanza la agrupación tras grabar “Sin salsa no hay paraíso” (2010), “Salsa: un Homenaje a El Gran Combo” (2010), “Arroz con habichuela” (2006) y “Aquí estamos y de verdad” (2004). Es la primera entrega de El Gran Combo, en poco más de cuatro décadas, en que no participa Charlie Aponte, quien el año pasado se lanzó como solista después de literalmente dedicar toda su vida a La Universidad de la Salsa. La gran interrogante era, sí el juvenil Anthony García sería capaz de llenar el vacío de Charlie, evidente también en los coros, y tras varias audiciones de Alunizando, concluimos que a la verdad que sí. El reto del salsero promedio será acostumbrar el oído a la voz de Anthony, como a partir de 1973 la fanaticada lo hizo cuando Charlie entró por Pellín Rodríguez y en 1977 Jerry Rivas por Andy Montañez. Anthony García, cuya labor ha sido elogiada con autoridad por Gilberto Santa Rosa, aporta juventud, frescura y originalidad a El Gran Combo. Estratégicamente, don Rafael Ithier fue acostumbrando poco a poco a su fanaticada con el estreno de varios sencillos, hasta el lanzamiento de Alunizando. La guaracha “Tiene que haber de to”, de Tony Ávila, que cantan Jerry y Anthony, es parte de la estrategia: un estribillo pegajoso, una letra que apela al sentimiento popular, parafraseando contrastes de la cotidianidad, con un arreglo que incorpora el calipso en sus primeros y últimos compases. Original del pianista Willie Sotelo, mano derecha de don Rafa, la secuencia continúa con “Mi Isla”, interpretación de Jerry que resalta las bellezas de Puerto Rico y un sentimiento patrio que reitera que, por ninguna razón, abandonará el terruño. “De aquí no me voy/me quedo aquí en mi Islita”, versa el coro de la composición que se une al selecto núcleo de temas nacionales grabados por el Combo, como “Pico, pico” y “Patria” (Esta es mi patria). Anthony reaparece con la guaracha romántica “Besar tu boca” del cubano Pedro de Jesús, en un arreglo de don Rafael Ithier, pero con swing y un montuno caliente para que el ex cantante de Del Sur al Norte guapee en los soneos. De la firma de Tony Ávila y arreglo de Sotelo, la canción homónima del cedé la interpreta Jerry como un planteamiento jocoso que expone implícitamente los estragos que el hombre causa al Planeta (“con tantos problemas aquí en la Tierra/¿Qué estamos buscando allá en la Luna?). “Arepa con bacalao” retoma el tema de la gastronomía que con sapiencia abordaron en “El menú” y “Arroz con habichuela”. En este son cantan Jerry y Anthony, con un arreglo de dos voces que evoca la era de Los Compadres, partiendo la letra de Leni Prieto de una analogía entre el amor y la cocina, con el joven en los soneos, en otra muestra de su integración con Jerry.Posiblemente “Seguirá”, también de Lenny, es la canción cumbre de la producción. La canta Jerry y su letra recrea cómo El Gran Combo se ha sobrepuesto a las situaciones difíciles afrontadas durante su carrera, sugiriendo que hay Gran Combo para largo rato. Muy bailable, el coro dice “siempre que el mundo quiera bailar/El Gran Combo tocará”. El solo de timbal de Cuqui Santos sella esta memorable interpretación, desde ya obligada, por lo emblemática que es, en sus presentaciones. Un arreglo de Ithier, que evoca el estilo tradicional, al estilo de “Goyito Sabater”, presenta a Anthony en “Sácame el zapato”, un discurso social de un matiz esperanzador, escrito por los hermanos Carlos Javier y Jorge Luis Montes de SonBy4, que captura muy bien, como una catarsis popular en su entrelínea, lo insoportable que para muchos se ha tornado la vida por las decisiones de los funcionarios que dirigen el País. Nuevamente, Leni Prieto aporta la letra y arreglo de “Yo soy tu amigo”, otra interpretación de Anthony, que promueve la solidaridad y el afecto, en las buenas y las malas. El cedé concluye con “Callao Puerto Dorado”, letra de Jorge Mendoza inspirada en ciudad peruana, donde idolatran a El Gran Combo, que pudo reciprocar tanto cariño y respaldo a través de la interpretación de Jerry y los solos del trompetista Luis ‘Taty’ Maldonado y el timbalero Domingo “Cuqui” Santos. El Gran Combo seguirá Alunizando es un disco pa’ bailar y pensar porque, sin mucha densidad, incluye historias de actualidad. La distintiva sonoridad de la combinación de dos trompetas, dos saxofones alto y trombón, con sus peculiares contrapuntos en frases y compases breves, sigue intacta en El Gran Combo. Leni Prieto y Willie Sotelo han sido muy buenos discípulos, asimilando muy bien el sonido institucionalizado por El Gran Combo y custodiado con celo durante las pasadas décadas por don Rafa y Freddy Miranda. Con Alunizando en las tiendas, es digno de encomio el esfuerzo de don Rafael Ithier, quien cumplirá 90 años el próximo 29 de agosto. El Mulato del Sabor entrega uno de los mejores álbumes de su trayectoria de 54 años con El Gran Combo, tras superar problemas de salud, la salida de Charlie Aponte y del trompetista Víctor ‘Cano’ Rodríguez (lo sustituye Carlos M. Vargas) de la organización y la muerte del saxofonista alto Eddie ‘La Bala’ Pérez, cuyo puesto lo ocupa Virgil Rivera.

Marc Anthony seduce y encanta Viña del Mar con sus mejores pasos de salsa.

Viña del Mar.- El cantante de origen puertorriqueño Marc Anthony sedujo al público del Festival de Viña del Mar con sus mejores pasos de salsa en un concierto que tuvo al público en pie en todas las canciones del repertorio que combinó sus éxitos más movidos con sus baladas románticas. Marc Anthony, uno de los artistas hispanos de más éxito, se presentó la noche de este martes al público de la Quinta Vergara con un grupo de 15 músicos, en los que sobresalieron las congas tumbadoras y los vientos, que pusieron el ritmo a los bailes sensuales y continuos. Con la canción “Valió la pena” y “Hubo alguien”, el cantante abrió la noche y provocó que el público abandonara sus asientos por el resto de la actuación. El conocido como “El flaco de oro” se presentó con un elegante traje y unas gafas de sol que se quitó definitivamente con la canción “Hasta ayer”, una balada para cortarse las venas y que le sirvió para mostrar a todos la emoción en sus ojos. “No hablo mucho, vine a cantar”, dijo durante su concierto el cantante nacido en Nueva York y de padres puertorriqueños. Las pocas frases que dijo fueron las justas para acabar de robarle el corazón al público que lo aclamó durante toda la noche. “No hay ningún lugar en el mundo que se sienta como estar en Viña. Llegué tres días antes para apreciar el ambiente que se crea”, aseguró el artista casi obnubilado por esas 15 mil gargantas que coreaban su nombre. Anthony, que es la tercera vez que se presenta al Festival Viña, repasó gran parte de su discografía centrándose en sus primeros éxitos como “Si te vas” (1998) y “Flor Pálida” (2002), de la que dijo que es una de sus canciones favoritas. El que fue durante diez años el marido de la cantante y actriz Jennifer López, condujo con una gran maestría al público por sus canciones más rítmicas, en las que lucía sus pasos de baile más sensuales, hasta las lágrimas con baladas como “Vivir lo nuestro” (1994) y“Ahora quién” (2004). “¿Dónde están las mujeres?” gritó el artista latino a un público que le correspondió con una gran ovación y que de la emoción hizo saltar a dos espectadoras al escenario para acercarse a él y que sorprendieron a los guardias. El cantante también dejó un espacio en el concierto para versionar “¿Y cómo es él?”, una exitosa canción del cantante español José Luis Perales -que ocupó por semanas el primer lugar en las radios-, que ambos cantaron en la última visita de Marc Anthony al Festival en 2012 y que el público coreó durante esta jornada hasta quedar sin voz. Muchos lloraron observando cantar al artista, que por momentos daba la impresión de que el tema emocionalmente le hacía daño. “¿Y cómo es él?/ en qué lugar se enamoró de ti/ De dónde es, a qué dedica el tiempo libre?, Pregúntale/ por qué ha robado un trozo de mi vida/ Es un ladrón, que me ha robado todo”. Antes de concluir su actuación, los presentadores le hicieron entrega de los galardones del certamen, la gaviota de plata y la de oro. Para acabar su actuación intensa, el cantante de raíces latinas se quitó la americana y al ritmo de “Vivir mi vida”, su mayor éxito, se despidió del público de la Quinta Vergara que lo aplaudió a rabiar. Además de la música y la actuación, un campo en el que se inició en 1994 con la película “Natural Causes”, Anthony es un hombre entregado en cuerpo y alma a la filantropía por lo que en el año 2012 creó junto a Henry Cárdenas La Fundación Maestro Cares, para ayudar a construir orfanatos. El salsero abrió con su concierto la tercera jornada del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, el más grande de Latinoamérica, en la noche latina que compartió con el cantante español David Bisbal. En la parrilla de esta sexagésima edición destacan los conciertos de los Backstreet Boys, Raphael, Becky G, Bad Bunny, entre otros.

La República Dominicana,es actualmente la Meca de la salsa, dicen Franklin Negron y Charlie Cruz

Cape Coral,Fl.-El marco del primer Festival de la Familia, celebrado en esta ciudad del Suroeste de La Florida, fue el escenario perfecto para que estas dos figuras de la salsa considieran en tarima y asi poner a bailar a los cientos de latinos en su mayoría oriundos de Puerto Rico que se dieron cita al evento patrocinado por la estación radial Latino 97.7 . El primero en ser entrevistado para este medio escrito y el programa Crónica Te Ve,que se transmite por la cadena Estrella TV y producido por quien escribe, fue Charlie Cruz, oriundo de Rio Piedras Puerto Rico, pero que hizo su carrera musical en la ciudad de New Jersey. Charly dijo que la salsa en la isla dejo de interesar por la falta de estaciones radiales que se dieran cabida en su programación,lo que imposibilitó el surgimiento de nuevas figuras. Cruz alabó el trabajo que se viene realizando en la República Dominicana, en torno al ritmo afroantillano, llevando el país la delantera antes de Colombia, Perú y el mismo Puerto Rico. Expresó el salsero que figuras como Yiyo Sarante, David Kada y la Orquesta de Chiquito Team Band, le dan un empuje increíble al genero en la región. Expresó que sus manejadores están realizando los arreglos para pronto realizar una colaboración con unos de ellos. Asímismo anunció que prontamente estará en las redes su nueva producción musical que sería un homenaje al papá de la salsa, Franklin Ruiz. La producción contará con doces temas con los mismos arreglos originales con los cuales grabó Ruiz y que ya el primer corte está en las calles, que es el tema Dile a El. Luego de enviarle un saludo al pueblo dominicano expresó que lo esperen pronto por la isla donde llegará a promover su nuevo material musical. Mientras que Franklin Negrón sostuvo que se cansó de estar atajando para que otro enlace al hacer rico con su talento a los dueños de las grandes casas disqueras, por lo que formó su propia empresa para realizar sus operaciones. Negrón señaló que a pesar de no tener un tema nuevo en el medio, su nombre y una trayectoria de 22 años que lo cumplió en el mes de enero le ha permitido mantenerse en el gusto de su fans y que las presentaciones a nivel de las diferentes ciudades de USA, siempre están presente. Al referirse al por qué la salsa que se produce en Puerto Rico no tiene la fuerza de años atrás, dijo que "la juventud está pidiendo mas música urbana actualmente y que los cantantes actuales deben reorientarse y realizar mezclas con los ritmos y colores de ahora para continuar y entrar al gusto actual, claro, siempre manteniendo la esencia del ritmo salsa. Negrón dijo que a pesar de continuar tocando se esta dedicando más a la busqueda de nuevos talentos, en Colombia, Perú y el mismo Puerto Rico. Al cuestionarle en torno al ritmo como está actualmente expresó que la República Dominicana, con figuras como Chiquito TinBand, Alex Matos al igual que Yiyo Sarante, están muy por delante a otros países, por lo que Santo Domingo se ha convertido en una plaza muy importante para el género y debe usarse como termómetro a nivel mundial en torno al genero. Franklin agradeció de corazón el apoyo que siempre le han dado los dominicanos a su música y que pronto estará en República Dominicana presentando su trabajo e interpretando los temas que lo hicieron popular .

Eddie Palmieri: “Les digo una sola palabra: preparación”.

El maestro compartió con estudiantes de la Universidad Interamericana de Puerto Rico, recinto Metro, en San Juan. La amplia trayectoria musical que ha cosechado el maestro Eddie Palmieri no solo le da la satisfacción de mirar atrás y ver que el sueño que forjó desde su adolescencia se hizo realidad, sino que, además, le hace sentir responsable de motivar a otros que como él, anhelan sobresalir en la rama en la que ha sido tan exitoso. “Yo enseño también en la escuela de Rutgers University en New Jersey, doy un master class de piano y le hablo a los estudiantes, y haciéndolo aquí en nuestra tierra de Puerto Rico, es un honor tremendo”, expresó el virtuoso pianista previo a la presentación de su Clase Magistral ayer en la Universidad Interamericana de Puerto Rico, recinto Metro, en San Juan. El evento formó parte de la celebración de los 20 años de fundación del Programa de Música Popular. Además del encuentro con los estudiantes, el compositor y arreglista participaría de un Concierto de Aniversario en la noche junto con la Big Band del recinto. “A ellos les digo una sola palabra: preparación”, expresó el ganador de tres premios Grammy. “También, el estudio. Si no aman lo que están haciendo no lo deben hacer. Tienes que amar lo que haces. Si eres músico, saber que en la música siempre se está aprendiendo. Yo me considero un estudiante de música”, manifestó pensativo el responsable de sobre 40 producciones discográficas, incluyendo Mi luz mayor, que publicó el año pasado, y que dedicó a su fallecida esposa, Iradia González Planas. El también creador de la legendaria banda La Perfecta en la década de los 60 expresó su añoranza por la excelencia musical de entonces. “Me siento siempre bien dichoso de que he podido lograr lo que yo pensaba, que era ser director de una orquesta excitante, porque lo que tenemos ahora, si tú pones la radio comercial es como coger un purgante bien malo, tú no sabes qué hacer, es increíble”, comparó sobre el género tropical en el que se ha destacado. “Cuando yo era joven, en la calle jugando stickball, la radio comercial tenía a Machito y su orquesta todos los días tocando. A Tito Puente, Tito Rodríguez. Eso no se escucha ahora. Lo que se escucha ahora es una música que no tiene tensión y resistencia, así que recomiendo que los que vayan a bailar con su pareja, se lleven dos almohadas pequeñas porque te vas a quedar dormido cerca de la tarima de baile”. El músico de 82 años, quien le adjudicó responsabilidad a las casas disqueras de renombre, y aclaró que no tiene la intención “de ofender a nadie”, reiteró que la calidad musical actual ha decaído y que “si baja más llegamos al infierno (ríe) porque lo que tenemos es un desastre. Gracias a Dios que todavía estoy vivo yo”. Durante su clase en el recinto, el también apasionado del jazz latino compartió numerosos consejos para guiar a la excelencia académica musical, incluyendo el valor de practicar para repetir “porque la preparación toma años”, la realidad de que se trata de una carrera sacrificada, y su aprendizaje de “que la matemática es el alma de la música y del arte”.

El Gran Combo de Puerto Rico recibirá la máxima distinción que otorga el Ateneo Puertorriqueño.

El Gran Combo de Puerto Rico recibirá la máxima distinción que otorga el Ateneo Puertorriqueño, su Medalla del Centenario, según dio a conocer el Dr. Hamid Galib, presidente de la mencionada institución cultural y su junta de gobierno. La ceremonia de entrega del galardón se efectuará este jueves, 21 de febrero, a las 7:00 p.m., en la sede del Ateneo Puertorriqueño, Viejo San Juan. La Medalla del Centenario del Ateneo Puertorriqueño fue acuñada por el Ateneo al cumplir sus cien años de existencia en 1976, y es descrita como “una de las más importantes distinciones que la Docta Casa de la Cultura Nacional otorga a los destacados hijos de la Patria Puertorriqueña”. La medalla -que ostenta la fachada de la institución y el rostro de uno de sus principales fundadores, Don Manuel Elzaburu- representa la exaltación de los más caros valores nacionales expresados a través de la cultura. “Para el Ateneo Puertorriqueño, El Gran Combo de Puerto Rico representa con suprema excelencia, la esencia misma de nuestra alma musical popular. Esencia que vine de una larga tradición cosechada desde el mismo siglo XIX y que se manifiesta en su momento cumbre de calidad y difusión con la obra de Rafael Ithier y el Gran Combo de Puerto Rico”, expresó Galib. “El Gran Combo ha sido mensajero y apóstol de la buena nueva de una música autóctona que define nuestra singular personalidad como nación y ha dejado la honda huella de su talento, de su originalidad, de su profesionalismo y prestigio sobre las nuevas generaciones de cantantes y grupos musicales. El Gran Combo de Puerto Rico es una de las más sólidas muestras de nuestra dinámica resistencia cultural, por haber mantenido a través de la música popular, la voz de la calle y de nuestros barrios, de nuestras angustias y victorias, y lo ha logrado exaltándolas en un género profundamente nuestro como lo es la salsa”.

Revolución Salsera suma dos nuevos integrantes.

SANTO DOMINGO.- El grupo Revolución Salsera anunció que ha sumado a su orquesta dos nuevos integrantes entre los vocalistas de la agrupación. Se trata de los cantantes Rafael Núñez López (Danaes) y Elías Alexander Matos (Alexito), quienes tienen sobrada experiencia en el mundo de la salsa. Según reseña un comunicado de prensa de la agrupación, los cantantes que ya forman parte del grupo desde hace casi dos meses están calificados por sus colegas como dos voces nuevas, de gran talento y alto nivel profesional que darán más energía y color a la salsa dominicana. Revolución Salsera que sigue teniendo entre sus voces a los experimentados artistas salseros Kelvin Saviñón y Lugo Santana están de estreno con el tema “Color de esperanza”, popularizado por el cantante argentino Diego Torres. Con la inclusión de estos nuevos cantantes y un trabajo de marcados pasos Revolución Salsera camina a una nueva etapa que podría marcar el inicio de una importante internalización de la agrupación. Aunque están cobijado bajo la empresa Carlos Bautista y Asociado, será Giordano Landrón quien se encargará de trabajarlos como manager. Revolución Salsera salió al ruedo musical en 2015, desde entonces se han mantenido como lo romántico de la sala, llevándolo a ganar el galardón Revelación del año de los premios Soberano, así como otros importantes reconocimientos. Han pegado más de 20 temas y tienen grabado un disco titulado “Sin fecha de vencimiento”. Han participado en los eventos más importantes realizados en el país como el Festival Presidente de Música Latina. Sus videos han estados nominados en importantes premios y ellos se han consolidado por hacer música de calidad. Entre sus éxitos están las composiciones “Mi princesa”, “A falta de ti”, “No hay sombra”, ¨El amor es libre”, “Te prometí”, “ Se nos murió el amor”, “Porqué me ilusionaste”, “Nos hizo falta tiempo”, entre otros.

El Caballero Gilberto Santa Rosa desbordó la isla de Cuba con conciertos masivos tras su primera visita

Luego del concierto que el salsero boricua Gilberto Santa Rosa ofreciera en Varadero, como parte de las actividades del “Festival Josone Varadero Jazz & Son”, se esperaba y con mucho entusiasmo su presencia en la capital del país: La Habana. Y Gilberto, que terminó su concierto en Varadero pasadas las 3:45am luego de interpretar más de 20 temas a modo de “resumen” de una carrera artística que dura ya más de 40 años, no podía hacer menos ante miles y miles de habaneros que lo aguardaron con devoción frente al Hotel Nacional de Cuba. El salsero, que arribó a Cuba el pasado viernes en horas de la mañana, volvió a sentir bien de cerca el cariño que se le profesa en la isla, a la cual visitaba por primera vez.En una entrevista que concedió al diario El Nuevo Día, Santa Rosa dijo sentir una emoción increíble por estar en suelo cubano. “Yo no estaba listo, porque yo soy un poco incrédulo y mis amigos de la música, y otras personas, me hablaban del recibimiento que me iban a dar aquí, pero ha sido increíble desde el momento que me bajé del avión”, dijo el “Caballero de la Salsa”. Por si le quedaba alguna duda, los habaneros terminaron por quitársela una vez que Gilberto subió a la tarima e interpretó temas como “Déjate querer”, “Vino tinto”, “Conciencia”, “Vivir sin ella”, “Sin voluntad”, “Los días pasan”, “Números” entre otros. Al igual que en Varadero, el salsero boricua interpretó el tema “Un montón de estrellas” del compositor cubano Polo Montañez. Gilberto intercambió durante varios minutos con el público cubano el cual tarareó cada una de sus canciones como si hubiese sido ayer mismo que su excelencia musical hubiese llegado a los oídos cubanos, y no hace ya casi tres décadas, cuando se convirtió en un favorito del público cubano durante el boom salsero en la isla de Cuba.

Rubén Blades y Making Movies dicen: “No te calles”.

Los Ángeles Rubén Blades ha vuelto al rock por invitación de una joven banda latina de Kansas City con la que llama al mundo a alzar la voz contra un mal común en Latinoamérica: la corrupción. El astro panameño de la salsa y el grupo Making Movies lanzaron la semana pasada “No te calles” como parte de un proyecto con el que buscan despertar a la ciudadanía. “Nuestro silencio e inactividad cívica alimenta y perpetúa a la corrupción”, dijo Blades a The Associated Press en una entrevista realizada por correo electrónico. “Si todos alzamos nuestras voces, encontraremos que en cualquier sociedad hay más personas que desean justicia, e igualdad”, expresó por su parte Enrique Chi, vocalista y guitarrista de la banda. “¡Sal a la calle y no te calles!/La corrupción ataca, ahoga con su trampa/el político ladrón que destruye a la nación/El silencio oculta la verdad como el odio nuestra humanidad”, dice parte de la letra. La canción fue grabada en Arizona, Nueva York y Memphis, Tennessee, mientras que el video, estrenado el viernes pasado, se filmó en Nueva York. Cuenta con la producción de Steve Berlin de Los Lobos, quien también estuvo detrás de los dos álbumes de Making Movies “A la deriva” (2013) y “I Am Another You” (2017), y quien había colaborado con Blades en el tema “Ya se va”. “Él (Berlin) ha sido nuestro mentor y nuestra brújula por los últimos cinco años. Sabe dirigir nuestra creatividad sin cambiar nuestra personalidad. Siempre es un honor trabajar con él”, escribió Chi. Tanto Blades como Chi consideran que solo con la participación ciudadana se podrá atacar otros problemas como el racismo y la intolerancia, la discriminación, la falta de justicia igualitaria o las amenazas a la democracia como las que se viven actualmente en países como Venezuela. “Creemos que si más miembros de la sociedad participan en la democracia y se niegan a aceptar a líderes corruptos como algo inevitable, poco a poco avanzaremos hacia una sociedad más justa”, dijo Chi. La historia de Blades con el rock es larga. Es un género con el que dice que ha estado involucrado desde los 12 años. “La gente se olvida, o ignora, que antes ya grabé y escribí con Lou Reed y con Elvis Costello”, señaló. Efectivamente, en 1988 Blades lanzó el disco “Nothing But The Truth” con canciones escritas por Costello y Reed, quienes también estuvieron en la guitarra. Previamente Reed había invitado a Blades para su álbum “Mistrial” de 1986. Making Movies es sangre nueva para este lado del amplio espectro musical de Blades. Fue fundada por los hermanos panameños Enrique (voz y guitarra) y Diego Chi (voz y bajo), y cuenta con el percusionista de origen mexicano Juan Carlos Chaurand y su hermano Andrés en la batería. “Cuando los escuché me gustó la energía del grupo y su incorporación de elementos percusivos y afro-cubanos al formato rock”, dijo Blades. Chi, en tanto, destacó la “poesía de Rubén” como el principal gancho para colaborar con el músico panameño. “Realmente ha sido un aprendizaje para mí como cantautor poder oír sus ideas sobre nuestra música. Esto nos inspira a continuar nuestra búsqueda como artistas con la esperanza de alcanzar esos niveles”, señaló Chi. “No Te Calles” formará parte de un mixtape de Making Movies con colaboraciones de aristas de diferentes géneros que se complementará con el portal NoTeCalles.World, donde habrá una plataforma para que los fans puedan grabar audio o video interpretando la canción.

LA 33 Entre la tradición y el ‘underground’.

El grupo de Bogotá La 33 combina la actitud rock con la tradición de la salsa y los sonidos de estilos como el 'boogaloo' y la descarga.A comienzos de enero, poco antes de que su nombre nuevamente estremeciera a toda América Latina, aunque esta vez por la polvareda que levantaron sus polémicos tuits sobre la actual situación política de Venezuela y la salud del presidente Chávez, el legendario salsero Willie Colón empleó su cuenta de la red social del pajarito azul para recomendarle a sus seguidores a Bacalao Men. “Está chévere. Nice!”, expresó el artífice nuyorican, al que se le debe el protagonismo del trombón en el género, y que formó célebres tándems junto a Héctor Lavoe y Rubén Blades a lo largo de su prolífica trayectoria, acerca de la agrupación caraqueña que fijó recientemente residencia en Miami. Y es que el combinado creado en 1999 promueve una manera diferente de comprender y redimir la salsa, primordialmente la llamada brava, a partir de la impronta ecléctica de sus integrantes. Casi todos tienen un pasado importante en el rock, especialmente su líder, el bajista y cantante Pablo Estacio –referente en los ochenta del post punk de la cuna de Bolívar–, lo que ha permitido la elucubración de un sonido híbrido en el que también fluyen el funk afrodisíaco, el lado oscuro de la electrónica, el hip hop y la psicodelia. Mientras Bacalao Men prepara su cuarto álbum de estudio, el sucesor de Sabaneando (2011), los países de la región en los que la salsa se arraigó como un estilo de vida han sido testigos, al menos en la última década, del auge de proyectos abocados al género erigidos por músicos formados en la cultura rock. No obstante, este fenómeno, que sucede en simultáneo con la aparición de orquestas y grupos de la escena salsera conformados por jóvenes que dieron rienda suelta a un modesto repertorio original –antes que resignarse a la reproducción de esos clásicos imposibles de superar–, ofrece dos variantes: la que apela a la fusión o la que apuesta por la recreación del estilo. En ese sentido, el grupo colombiano La 33 comanda el conglomerado de agrupaciones que rescataron el espíritu proletario del sonido engendrado en las calles de Nueva York y de las metrópolis caribeñas, que alcanzó su época dorada en la década de los sesenta y setenta, pero que, gracias al flirteo de sus integrantes con el pop, el heavy metal, el punk o la electrónica, caló hondo en las nuevas generaciones de público de su país, sobre todo en una audiencia ajena al circuito musical tropical. “Si bien un rockero es muy diferente a un salsero, en su forma de vida o en la manera de moverse sobre el escenario, respetamos la salsa e intentamos hacerla lo más pura posible. A partir de esa base, y de nuestras ganas de encontrar una identidad y un sonido propio, el grupo se destacó por tener un tinte diferente”, argumenta Sergio Mejía, director y bajista del conjunto establecido hace 12 años en Bogotá, en parte, como respuesta a la dictadura del reguetón en la noche capitalina, antes de su debut en Buenos Aires, a comienzos de enero, en la discoteca Niceto Club. “Tras estudiar la salsa de los sesenta y setenta, que era ese sonido neoyorquino y caribeño que nos gusta, rescatamos la agresividad que se perdió en los ochenta, década en la que ese sabor callejero tomó rumbo para otro lado y fue reemplazado por una onda muy pop. Retomamos, entonces, esa impronta más antigua, fundamentada en el boogaloo, la descarga y otros estilos, y la volvimos a posicionar, aunque con elementos diferentes, un poco por el background de cada músico. Sin embargo, pese al tiempo transcurrido, seguimos aprendiendo”. La 33 irrumpió en una época en la que el fascinante underground bogotano se preparaba para el recambio no sólo generacional, sino musical, con el indie y la música dance entre sus principales bastiones sonoros. Por eso, substancialmente en sus primero años, fue considerado, por esa misma condición contextual e insular, una agrupación de culto. “Creo que eso se debió a dos cosas: a ese rescate del sonido que en algún momento se perdió, pero que un montón de gente, tanto en Colombia como en el resto del mundo, continuó consumiendo y consultando, a manera de referencia esencial, porque muchos coleccionistas de salsa siguieron comprando esos discos y escuchando música vieja. Así que una generación de público se quedó prendada a ese tipo de salsa, y no me refiero sólo a los intelectuales, sino a todas las clases sociales”, describe Simón, cuyo liderazgo en la banda lo comparte con su hermano Santiago, pianista y coordinador de la orquesta que tomó su nombre de la calle en la que se encuentra su sala de ensayo. “Al mismo tiempo, la juventud que tiene el grupo, esa apariencia rockera, atrajo también a una audiencia más joven”. Ahora que se encuentra en proceso de realización la adaptación cinematográfica, puesta en marcha por el director Carlos Moreno, de la venerada novela ¡Qué viva la música! (1977), de la hoy estrella de pop de la literatura colombiana, el desaparecido Andrés Caicedo (se suicidó a los 25 años, tras recibir una copia del libro), en la que la salsa y los Rolling Stones confeccionan la banda de sonido del argumento, La 33 podría suponerse como el insólito arrebato de la imaginería del escritor caleño. Lo cierto es que el grupo bogotano es el conjunto de cabecera de un sector de estudiantes universitarios que sigue con devoción el rico heraldo salsero local, que tiene en el célebre Joe Arroyo a su figura universal. A pesar del respeto por esa iconografía, el conjunto del barrio de Teusaquillo salió adelante con un repertorio en el que paulatinamente predominaron las canciones propias. “Las discotecas siempre nos exigían que tocáramos versiones porque la gente baila lo que conoce. Si nadie sabe quién eres, mover la pista no es tan sencillo”, afirma el bajista y director. “De forma que, aparte de nuestros temas, incluimos música que ya existía para que nos ayudara a lidiar con el público”. Así que además de La pantera mambo, una adaptación del tema de La Pantera Rosa, de Henry Mancini, o de atreverse a improvisar un intro inspirado en Something About Us, de Daft Punk, La 33 ha consolidado un repertorio original fundamentado en la salsa brava, llamada asimismo salsa dura. No obstante, el revestimiento de ésta por un brío desprendido del rock y sus variantes, del disco o del jazz evoca los experimentos que consumó el colectivo Fania All Stars en los setenta, patentado en álbumes como Latin Soul Rock (1974), Rhythm Machine (1977) o Spanish Fever (1978), camino que han seguido otras formaciones colombianas, de las que destacan los antioqueños Banda La República. “Nosotros no fusionamos directamente, pero, a partir del surgimiento de La 33, hubo un par de propuestas que mezclaron salsa y rock. No tuvo un desarrollo significativo aún, aunque de a poco están dando sus frutos”, apunta Mejía. “Sin embargo, hay una influencia que nos antecede, que no se dio tanto hacia la salsa, sino por la música afrocolombiana, que fusionó con el rock los ritmos de nuestras costas. Desde ese momento, hubo un interés muy grande por estudiar el folclore local”. A pesar del éxito que ha tenido esta nueva avanzada de artistas de la nación cafetera, que han mixturado la tradición con la modernidad musical y cultural, grupos como Bomba Estéreo, Los Piraña y hasta La 33 no pudieron calar en el dial nacional, por lo que han tenido mayor proyección en los medios extranjeros que en los de su país. “Este underground es un movimiento nuevo, que en Colombia tiene cierta fuerza, pero sigue siendo muy desconocido”, se lamenta el mandamás de La 33. “Lo que mejoró muchísimo es la manera de mover a las bandas hacia el exterior, pues todo el mundo está pendiente. En Colombia, la música folclórica o de fusión no tiene espacio en la radio, y es complicado llegar a eso, a que la música trascienda dentro del país. Y me parece que esto ocurre más fuera que dentro. Igualmente, los problemas políticos que han estado permanentemente entre nosotros, influyeron en el desarrollo de la cultura. Por ahí leí una frase que decía que en los sitios donde hay crisis, el arte crece mucho más en comparación a los no los tienen. Digamos que si es verdad, buena parte de nuestra música ha estado marcado por esa circunstancia”. Tras quemar un sinfín de cartuchos de soul, jazz y electrónica, el productor y músico británico Quantic se instaló en Cali, el gran salsódromo colombiano, hechizado por el estilo. Y su decisión fue atinada, pues, desde que llegó a la urbe enclavada en la cordillera de los Andes, no hizo más que poner a bailar a públicos de todo el mundo a través de sus laboratorios tropicales Quantic Presenta Flowering Inferno, Combo Bárbaro y Ondatrópica (los dos últimos abocados a los sones populares de la nación sudamericana). No obstante, pese a la propuesta revitalizadora de La 33, discos como Fania DJs Series (2007), en el que el productor radial y musical inglés Gilles Peterson remezcla a la Fania All-Stars, o proyectos del temperamento de Sidestepper, donde la electrónica le da la mano a los ritmos afrocolombianos y, por supuesto, a la salsa, han demostrado una apertura contemporánea del género hacia la renovación. “Claro que se puede”, señala Simón, mientras prepara el cuarto álbum de su grupo. “Uno tiene que ser cuidadoso y aprender a hacer las cosas. No es que La 33 vaya a empezar a hacer salsa electrónica, pero si un DJ nos llama para pedirnos un tema nuestro para remixarlo, se lo damos”.

Muere Ismael Quintana, maestro salsero puertorriqueño.

Ismael Quintana, cantante de salsa de 78 años, murió el pasado sábado en una residencia de Colorado (Estados Unidos), donde se hallaba internado tras varias operaciones provocadas por dolencias cardiacas. Había nacido el 3 de junio de 1937 en Ponce, ciudad portuaria de Puerto Rico que ha producido extraordinarios vocalistas: Héctor Lavoe, Cheo Feliciano, Pete El Conde Rodríguez… En verdad, la familia Quintana se trasladó a Estados Unidos cuando Ismael todavía era un bebé; aun así, Ismael gustaba de identificarse como puertorriqueño y dedicó varias canciones a su tierra natal. Creció en el Bronx neoyorquino y trabajó como tornero. El cierre de la fábrica donde estaba empleado le empujó al mundo de la música, incorporándose a diferentes orquestas durante los años cincuenta, primero como percusionista y, posteriormente, como corista. Era una labor que compatibilizaba con empleos diversos: el circuito de los ritmos afrocubanos, entonces muy modesto en lo económico, no le permitía profesionalizarse. Fue el pianista Eddie Palmieri quien advirtió que tenía potencial como cantante solista. Le llevó a su Conjunto La Perfecta, banda que partió del formato de la charanga —con metales reemplazando al violín— para crear temas extensos, fruto de la liberación de la energía instrumental y vocal de la formación. Quintana y Palmieri acumularían éxitos a lo largo de los sesenta, como Café, Justicia, El molestoso, Óyelo, que te conviene o Sujétate la lengua. Quintana acompañaría a Palmieri en sus colaboraciones con el vibrafonista Cal Tjader, El sonido nuevo (1966) y Bamboléate (1967). Por su cuenta grabó con otros artistas de la época, incluyendo a Joe Cuba: participó en el famoso Songs Mama Never Taught Me, compilado de canciones pícaras. Su primer elepé bajo su nombre, Punto y aparte, salió en 1970 con UA Latino. Siguió cantando con el Palmieri más ambicioso, en temas del calibre de Vámonos pa’l monte o Revolt / La libertad lógico; juntos grabaron discos memorables tanto en la prisión de Sing Sing como en la Universidad de Puerto Rico. La carrera de Quintana como solista aceleró en 1974, con su fichaje por Vaya, subsello de Fania Records. La compañía estaba en la cresta de la ola e Ismael se benefició de contar con su extraordinario equipo de instrumentistas y los arreglos de Bobby Valentin, Papo Lucca o Louie Ramírez. Entre sus éxitos, destacaron Mi debilidad, Maestro de rumberos y Tambó (Me acompaña él). Exclamación venezolana Según la leyenda, fue Quintana quien difundió por Nueva York el uso de la palabra “salsa”: era una exclamación de deleite que había escuchado durante unos conciertos en La Guajira venezolana. Curiosamente, sus preferencias personales iban por los boleros, género que dominaba el tocadiscos de sus padres. Jerry Masucci, capo de Fania, apreciaba el hecho de que Ismael componía temas y, sobre todo, sus habilidades como sonero. Le incorporó a aquel acorazado llamado Fania All Stars (FAS). Se puede escuchar a Quintana en numerosos discos en directo de FAS registrados en Nueva York, Zaire, Japón, Cuba, Puerto Rico o Colombia. También participó en Tributo a Tito Rodríguez (1976) y otros discos de estudio como Commitment (1980) y Lo que pide la gente (1984). Entre la alborotada tropa de FAS, abundante en bandarras, Quintana pertenecía a la facción más moderada, alejada de drogas y excesos. Habituado a organizar su vida a través de la Fania, le pegó duro la caída del imperio de Masucci. A la vez, como a todos sus compañeros de generación, le afectó el ascenso de la salsa romántica, que él denominaba despectivamente salsa monga. En sus últimos años, actuaba con regularidad por Sudamérica y el Caribe, donde todavía se mantiene la demanda de la llamada salsa brava.

Will Smith aprende de Marc Anthony el arte de la salsa.

El actor Will Smith ha sorprendido a sus seguidores en un vídeo de Instagram donde aparece recibiendo unas improvisadas clases de salsa del cantante Marc Anthony sobre la cubierta de un yate en Miami. Hasta ahora Smith, una de las estrellas mejor pagadas de Hollywood, era conocido por sus pinitos en el mundo del rap —muchos continúan cantando la intro que el conocido actor coreaba en El príncipe de Bel Air, serie que lo lanzó a la fama—, pero nunca que se sepa se había adentrado en el mundo de la danza latina. En unos días, el vídeo salsero con el ex de Jennifer López ha recibido más de nueve millones de visualizaciones y miles de comentarios.En el clip, Will Smith y Marc Anthony, ambos de 49 años, aparecen bailando al ritmo de Vivir la vida, canción del músico de origen puertorriqueño, en un ambiente festivo. Con paso tembloroso, Smith logra finalizar la coreografía con el mítico paso de baile de Anthony —un giro de 360 grados sobre la pierna izquierda como punto fijo y con los brazos extendidos—. Tras acabar, los dos artistas ríen y se abrazan. "Eres brillante. ¡Bien hecho Will!", dice Anthony a su alumno. "#Bucketlist - lecciones de salsa de Mar Anthony... hecho", apunta el actor de Soy Leyenda en la publicación. No es la primera vez que el actor de la saga de Hombres de Negro acepta un reto. Hace un mes, varios seguidores le reprocharon que no se supiera la letra de la canción de La Bamba. Will Smith, volvió a sorprender con un vídeo donde se grababa en su coche cantando la canción tradicional mexicana en castellano.

Perro recibe diploma de maestría en Nueva York.

Siempre que Brittany Hawley iba a clase, su leal perro de servicio Griffin estaba ahí. Si necesitaba su teléfono, Griffin se lo llevaba. Incluso cuando atendía a pacientes como parte de un internado, Griffin también estaba ahí ayudando. Por lo tanto, es apropiado que cuando Hawley reciba su título de maestría en terapia ocupacional de la Universidad de Clarkson el próximo mes, Griffin esté nuevamente a su lado con un diploma honorario para él. “Presioné para que él también se graduara desde el primer día”, comentó Hawley. “Hizo todo lo que yo hice”. La junta directiva de la institución en Potsdam, Nueva York, honró al perro de raza golden retriever de 4 años el fin de semana, y señaló que demostró un “esfuerzo extraordinario, un compromiso constante y una dedicación diligente al bienestar y éxito estudiantil” de Hawley. Hawley, de 25 años, usa una silla de ruedas y tiene dolor crónico. Dijo que Griffin hace una amplia variedad de tareas físicas para ella, como abrirle las puertas, encender las luces y llevarle objetos que ella le indica con un apuntador láser. Pero quizás lo más importante es la tranquilidad que el perro le brinda en medio de su incesante y severo dolor que le causa ansiedad y depresión. Hawley recibió a Griffin a través de “paws4prisions”, un programa que enseña a los reclusos de las prisiones de Virginia Occidental a entrenar y colocar perros de asistencia de alto nivel. “Los reclusos permiten que muchos perros se te acerquen y dejan que ellos te elijan”, dijo Hawley. “Algunos perros tenían miedo de la silla de ruedas. Griffin saltó a mi regazo y me lamió la cara”. Hawley y Griffin trabajaron en la base militar de Fort Bragg en Carolina del Norte durante un internado, ayudando a soldados con problemas de movilidad y trastornos psicosociales. Cepillar a un perro puede ayudar a que el paciente mejore su capacidad de movimiento y acariciarlo le ayuda a calmar su ansiedad, señaló Hawley. “Mis pacientes dirán: ‘Mis terapeutas son Brittany y Griffin’”, comentó, y agregó que cuando solicite empleo, ella y Griffin vendrán en paquete. “No podría participar en algo sin él”, dijo. “Estoy muy acostumbrada a que esté ahí”.

Disney celebra el 90 cumpleaños de Mickey Mouse con una muestra en Nueva York.

Nueva York.– Disney celebró hoy el 90 aniversario de su estrella protagonista, Mickey Mouse, con la inauguración oficial de una extensa exposición que rinde homenaje al impacto de este conocido personaje en la cultura popular y que presenta obras de más de 20 reputados artistas de todo el mundo. La muestra, “Mickey- The True Original Exhibition”, podrá verse en el Meatpacking District de Nueva York, situado en el oeste de Manhattan, hasta el próximo 10 de febrero, y está formada por obras de arte, fotos de gran tamaño, interacciones creativas y artículos de promoción comercial que conmemoran su cumpleaños. Los casi 1.500 metros cuadrados de exhibición han sido instalados en Nueva York porque fue en esta misma ciudad en la que el ratón debutó en la gran pantalla el 18 de noviembre de 1928, con el cortometraje “Mickey Mouse- Steamboat Willie”. La muestra ofrece la posibilidad de admirar obras de artistas tan destacados como Keith Haring, que en 1981 convirtió a Mickey en su inspiración con su dibujo “Untitled (Mickey Mouse)”. La pieza está acompañada además de una selección de instantáneas originales de los años 80 del artista junto a otras piezas famosas del protagonista de Disney, hechas por el fotógrafo Tseng Kwong Chi. En ese sentido, es la primera vez que se reúnen las obras de Haring y Tseng, dos amigos que compartían una gran pasión por la cultura popular y los iconos. El español Javier Sánchez Medina, conocido por su trabajo con fibras naturales, participó también en el 90 aniversario de Mickey con una escultura en anea y ratán de sus célebres manos, sobre la que caía un potente foco que proyectaba su inconfundible sombra. Los artistas estadounidenses Daniel Arsham y Katherine Bernhardt también participan con sus obras en la exposición, que se divide en una docena de salas temáticas en las que se incluyen piezas originales e históricas sobre Mickey. El recorrido descubre algunos de los momentos más importantes del nonagenario a través de escenas en blanco y negro de cortos de dibujos animados clásicos, una reinterpretación de “El aprendiz de brujo”, de la obra maestra de Walt Disney, “Fantasía”, y una recreación del set de “All New Mickey Mouse Club” de los años 90. Los seguidores del simpático ratón pueden además admirar la colección de los Archivos de Disney con productos icónicos que se han inspirado en él a lo largo de las décadas, así como el Óscar que se le concedió a Walt Disney en 1932 por la creación de Mickey Mouse. Disney anunció en un comunicado que ya se han agotado las entradas para ciertas franjas horarias para el mes de noviembre, y varios conocidos actores y artistas ya han asistido al evento de inauguración del espacio, como la actriz Sarah Jessica Parker, que posó ayer con las orejas de Mickey frente a la obra de Haring. Han pasado por el espacio también la modelo e intérprete británica Tail Lennox; el actor Jason Biggs y su pareja, la también actriz Jenny Mollen; la conocida editora de moda Zanna Roberts Rassi, que acudió con su marido y dos hijas; y la modelo Marina Testino, sobrina del fotógrafo de moda Mario Testino.

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