La voz cantante de la orquesta de Eddie Palmieri.

Herman Olivera, antes de tomar el micrófono para empezar su show salsero en el escenario, se abraza simulando hacerlo al público. Su traje, siempre impecable en cada presentación; su voz, inconfundible, limpia, y su versatilidad a la hora de improvisar (sonear) lo hacen único. Quizá esta fue una de las características que tuvo en cuenta Eddie Palmieri para llevarlo a su orquesta como voz líder. De eso ya han pasado más de 20 años, y el sonero del siglo XXI, como lo bautizó el propio Palmieri, sigue deleitando a los amantes de la salsa. Sus inicios en la música empezaron cuando tenía 15 años, y desde entonces no ha dejado de sonar, ha compartido tarima con todos los grandes de la salsa y ya es hoy uno de esos grandes. Olivera, en su reciente visita a Bogotá, habló con el TIEMPO acerca de su carrera profesional, su paso por el Conjunto Libre, de Manny Oquendo, y su relación con los demás salseros. Vamos a sus primeros años. Encontré que su nombre verdadero nombre es Hermenegildo Olivera, ¿cómo nació entonces Herman Olivera? Cuando estaba en la escuela, una de mis profesoras no podía pronunciar Hermenegildo. Aunque ella lo intentó varias veces, fue imposible. Entonces me dijo: “Desde hoy te llamaré Herman, Herman Olivera”. Llegué a mi casa y les conté a mis padres; no hubo disgusto alguno, y decidí desde ese momento llamarme así. Vamos a lo musical: comienza su carrera en 1974, ¿con qué agrupación? Empecé con la orquesta La Justicia II en Nueva Jersey (Estados Unidos), tenía 15 años. Mis padres son puertorriqueños y llegaron a Estados Unidos con el éxodo de los años 50 del siglo pasado y se establecieron en Nueva Jersey, donde nací y me crié. Recuerdo que en las vacaciones íbamos a Puerto Rico; allá escuchaba la música de Tito Puente, Mon Rivera, el Gran Combo de Puerto Rico, entre otros artistas. ¿Cuánto duró en ese grupo? Fue casi un año con ellos. Luego salto a la orquesta La Sónica; allá conozco a Edwin Bonilla y a Jimmy Bosch, mi amigo de toda la vida. Después de La Sónica me voy al conjunto Caramelo. Este era un grupo que se formó con temas inéditos. Animábamos bodas, bautizos, divorcios, íbamos a donde nos invitaban. Muchas veces fuimos teloneros de las grandes orquestas de la década de los 70, también de la dinastía Fania. Esto pasaba en Nueva York y Nueva Jersey. ¿Su llegada al Conjunto Libre cómo se da? Estando en una actividad a la que asistieron Ismael Rivera, Bobby Rodríguez y la Compañía y el Conjunto Libre, del cual yo ya era fanático, vieron y escucharon nuestra presentación con el conjunto Caramelo. Después del toque, bajé y conocí a Manny Oquendo, quien era timbalero y bongosero del Conjunto Libre; también estaba Andy González, el director musical, y Pupi Cantor, el vocalista. Le di el teléfono a Pupi, y días después me llama Andy González para cantar con el Conjunto Libre. Ahí empiezo una etapa más grande, más profesional, en Nueva York; estaba ya en las grandes ligas de la música. El festival Salsa al Parque revela su cartel Medio siglo del primer concierto de la Fania All-Stars Las 10 de la salsa infaltables en el fin de año ¿Qué graba con ellos? Mi primera producción discográfica es Libre increíble, bajo el sello Salsoul. En este trabajo están las canciones Decídete, No me eches la culpa, Traicionera y Goza la vida. Luego vino Ritmo, estilo y sonido, que es este long play (lo muestra); ahí está el tema Qué humanidad, corría el año 1983. Maestro Olivera, vamos a dar un salto en su carrera artística, y para los amantes de la salsa es muy importante su paso por la orquesta de Eddie Palmieri... Siempre he sido fanático de la música de Eddie Palmieri con Ismael Quintana (que en paz descanse), fue parte de mi crecimiento y de la ola salsera que arrasó en el mundo y en Nueva York en los años 70. ¿Cuándo empieza a tocar con Eddie, en dónde estaba usted? Trabajaba con el maestro Johnny Pacheco y recibí una llamada de la oficina de Eddie. Me dijo que quería que trabajáramos un tiempo corto, pues con él estaban Ismael Quintana y la India. Luego de ese corto paso regreso al Conjunto Libre, era el año 1993. En 1995 me llaman de nuevo de la oficina de Eddie Palmieri, y me hicieron una oferta que no podía rechazar. Era una gira por Europa; hicimos 26 conciertos en 11 países, durante 31 días. En ese tour es en el que el maestro Eddie se percata de mi talento y me ofrece grabar una producción que se denomina El rumbero del piano. Esa es mi primera grabación con él. ¿Qué canciones hay en ese álbum? Están Oigan mi guaguancó, Dónde está mi negro. Grabo una versión de la canción Malagueña salerosa que fue un éxito instantáneo. Ahí empiezo a viajar por el mundo con quien es mi padrino musical y con quien es el sol de la música. Hoy ya tengo cerca de ocho o nueve producciones discográficas con la orquesta de Palmieri. Háblenos de esas producciones con Palmieri. Volvimos a regrabar los temas que ya se habían hecho con Ismael Quintana. Grabamos dos producciones, una titulada La Perfecta II y la otra, Ritmo caliente; en esa están las canciones El Tutu Tata, Tirándote flores, Ritmo caliente y el Molestoso, entre otras. Usted grabó con Tito Puente un álbum que salió al mercado luego de que él murió. Se titula Obra maestra y es una idea de Eddie Palmieri con Tito Puente. Unimos las dos orquestas para esa grabación. Se hicieron los arreglos y participaron otros vocalistas, era el año 2000. Con esa producción ganamos dos Grammy. Un coleccionista de Bogotá, Diego Rodríguez, me pidió preguntarle por ‘Privilegio y honor’. Ese tema lo compuso Jova Rodríguez, a quien, además, le he grabado un montón de canciones, como Boricua hasta la muerte, Cuando el amor se acaba, el son de Herman, entre otras. Recuerdo de Privilegio y honor que faltaba un tema para terminar una producción, y Jova Rodríguez me dijo que tenía uno que le había escrito a su hijo Kervi, que lo tomara y le pusiera el nombre de mi hijo Giovanny Herman en uno de los soneos. La llevé a la compañía, la aceptaron, le hicimos los arreglos y quedó lo más chévere. Es una canción con una letra muy profunda y gusta mucho. Usted le hace un tributo a Justo Betancourt cantando ‘Pa’ bravo yo’, ¿cómo es esa historia? Esa letra es de Ismael Miranda, y ese tema le pertenece al matancero mayor, al único, al número uno: Justo Betancourt; además, esa es su canción bandera, su emblema. En una gira por Puerto Rico con Frank Ferrer y la Descarga Boricua, yo llevaba listos mis dos temas originales para tocar; uno de ellos era Qué humanidad y otro. En el ensayo, Ferrer me dice: “Vas a cantar Qué humanidad, y quiero que cantes Pa’ bravo yo”. Me sorprendió, y le respondo: “¿Por qué tú quieres que yo cante esa canción si es de Justo Betancourt? Yo tengo mis temas y no creo que funcione”. Ferrer me dijo: “Sí va a funcionar, y tú vas a hacer algo lindo con ese tema”. Yo seguía sin entender, y lo contradecía. Al fin tuve que ceder, pues él era el productor. Al final le contesté: “Está bien, la voy a grabar, pero no estoy de acuerdo, respeto esos temas grandes”. ¿Y al final qué pasó? Me fui para el hotel y estaba tan estresado por eso que me enfermé, me dio catarro. Ferrer me dice: “Vamos a hacer una cosa, lo grabas y si no sale bien, no lo incluyo en el video, pero si funciona va completo”. Al fin lo grabamos, y a él le gustó, mientras que yo le buscaba las imperfecciones y lo negativo; al final me dijo que lo dejáramos. Salió el disco. Y el video. Y la gente empezó a pedirlo. Me decían: ‘Haz el tributo a Justo con Pa’ bravo yo’; decidí meterle soneos, y finalmente le rindo un tributo al matancero mayor. ¿Hizo parte del sello Fania? Nunca tuve una historia con Fania. Trabajé con Johnny Pacheco año y medio en su grupo, al que denominamos el Tumbao Añejo. Acompañaba a Celia Cruz, Pete el ‘Conde’ Rodríguez y Héctor Casanova. Yo cantaba mi par de temas. Viajé con él y aprendí mucho. Cuando está en su casa, ¿qué música escucha? Escucho jazz de Charlie Parker, Miles Davis, también se oye Frank Sinatra, al igual que música brasileña. Rosario Flores, Marco Antonio Muñiz y, por supuesto, Herman Olivera. ¿Cómo se define? Como un narrador bien guarachero. Cuéntemos de sus visitas a Bogotá... La primera fue en un Salsa al Parque, y las otras dos, para presentarme en una discoteca salsera, pero pienso seguir viniendo mientras el público me pida.

Las intimidades del Conjunto Clásico que reveló Ramón Rodríguez.

“El Conjunto Clásico nació en Nueva York pero se crió en Cali”, con esta frase resume a uno de los más importantes conjuntos musicales el compositor boricua Ramón Rodríguez, quien visitó a nuestro amigo Oscar Jaime Cardozo Estrada de Planeta Salsa en Cali, Colombia para hablar de lo humano y lo divino, de los amores y desamores que se tejieron en la intimidad del Conjunto Los Rodríguez, como en alguna época también se le conoció al Conjunto Clásico.Ramón Rodríguez (R.R): Entre 1967 y 1969, estuve prestando el servicio en el ejército, en Vietnam, y al terminar mi servicio yo ya tenía la inquietud de escribir. El primer tema que hice tiene tintes patrióticos y dice: Borinquen Patria Mía, me encuentro lejos con la esperanza algún día de volver a mi suelo. Virgencita milagrosa tú que todo lo puedes, soy un soldado que quiere regresar regresar a Puerto Rico.El primero en grabarme un tema composición mía fue Kako Bastar y sus estrellas, y la verdad, no recuerdo el nombre pero fue en el año 1972. Siempre he tenido la tendencia a componer con el espíritu de la gente, del campesino, de lo que le sucede a la comunidad. Ese fue el camino que escogí, mi vocación. Incluso hacia el año 75 cuando Ismael Miranda sale de la orquesta de Joy Pastrana, iba a hacer un álbum con Junior González, pero Junior no vino y me pusieron a mí a cantar. Hice el disco completo, pero yo sabía que lo mío no era cantar sino escribir, componer, y en eso seguí. P.S. Su línea muy del estilo de Don Pedro Flores, Rafael Hernández y Daniel Santos con sus canciones patrióticas. R.R. Sí, es cierto, incluso yo le decía a Tito Nieves que yo era su Pedro Flores, y él era mi Daniel Santos, y fíjate que le escribí más de 90 temas a Tito. P.S. ¿Usted es el creador de La Masacre, porque no siguió con esta agrupación? R.R. en 1979 yo estaba haciendo coros con Johnny Pacheco, después de cuatro años trabajando con él y aprendiendo mucho de la música. Me dijo, tu puedes correr ya sólo, insinuándome que iniciara mi carrera independiente. Al salir de la orquesta de Pacheco, Tito estaba haciendo coros con la orquesta de Héctor Lavoe, pero solo para los boleros. Gracias al capital que aportó una persona conocida mía que se llama Héctor Soto, le propuse traernos a Tito Nieves e irnos a Puerto Rico para producir un álbum allí. La orquesta que creamos fue La Masacre, que luego, puedo decir, se la regalamos a Julio Castro. P.S. ¿Cómo nace el Conjunto Clásico? R.R. Con La Masacre, pegamos en Puerto Rico “El Pregonero”. Me fui a Nueva York con el LP debajo del brazo y se lo mostré a Ramón Castro, que tenía en ese momento seis almacenes de calzado y estaba muy bien económicamente. A él le gustó mucho lo que escuchó y me propuso crear una nueva orquesta con otro nombre, para lo cual Tito estuvo de acuerdo también. Eso fue en 1979, e Ivonne, mi esposa, fue la que le puso el nombre de Conjunto Clásico, porque había una agrupación en Venezuela que se llamaba Sonero Clásico Caribe, y sobre ese nombre ella se inspiró, cambiándole Sonero por Conjunto y desapareciendo el “del Caribe”. El primer tema que pegamos fue “Los Rodríguez” e iniciamos con la primera gira y fue precisamente en Colombia, junto a la Fania, y vinimos a Barranquilla, Bogotá y Cali, traídos por el señor Larry landa. P.S. ¿Cuál es la historia detrás de Los Rodríguez, la temática está basada en su familia? R.R. (Risas) no, la historia surge de una familia promedio puertorriqueña. Se basa en los que se van de su patria. Y Rodríguez, porque si tú coges el directorio telefónico allá te vas a dar cuenta que más de la mitad de las hojas vienen con el número telefónico de miles de familias con apellido Rodríguez. Mi apellido es el más común en la isla. P.S. ¿Y en qué se inspiró para componer Sin Rumbo Alguno? R.R. Fíjate que yo no sé cómo surgió. La canción me salió y a lo último yo mismo me pregunté, cómo así que “vive la vida como la debes vivir, y nunca intentes subir donde no puedes subir”, cuando yo creo que eso no es real, porque pienso que uno sube donde debe, no donde puede. Arranqué a escribir, acabé y después le puse el título. En Colombia fue uno de los temas que más éxito tuvo con el Conjunto Clásico.¿Cómo salen Ramón Rodríguez y Tito Nieves del Conjunto Clásico? R.R. La cosa se estaba volviendo insostenible. Tito Nieves, y él mismo lo dice, estaba perdido en las drogas. Empezaron los incumplimientos y las irresponsabilidades. Ya no nos aguantábamos a Tito, y a mí tampoco me aguantaban, porque yo también andaba en las mismas, no tan irresponsable, pero también me tenía agarrado la droga. Entonces le dije que ya había llegado la hora que se fuera del conjunto. Él aceptó, y (risas) no había pasado una semana de su partida, y llegó Raphy Mercado y lo firmó. El primer tema que hizo con él fue “Sonámbulo”. Arranca Tito con ese tema y dejó de usar la droga. Se volvió una persona seria y muy comprometida con el negocio. P.S. Pero nos hemos dado cuenta que viene un trabajo discográfico suyo con Tito Nieves. R.R. (Risas) Estas bien dateado. El que lo quiera saber que lo sepa. Es un documental de la vida de los dos, que incluye mi música. Vamos a hacer el tema que canto Pedro Arroyo “Tristeza en el barrio”, cosas que no tienen nada que ver con el Conjunto Clásico, para no molestar a nadie. Ese es un proyecto sobre el que estamos trabajando, aunque tenemos otro que se llama “Los Cincuentones”, para el cual ya tenemos tres temas hechos y lo publicaremos el año que viene. P.S. Hablemos del rompimiento con Ramón “Ray” Castro R.R. Bueno. Voy a decir la verdad. En 1986 tanto Ramón Castro como yo tuvimos problemas con la Justicia y estuvimos presos. Cuando Ray Castro estaba en la cárcel, a mí me empezaron a pagar como músico y no como director. Yo no estuve de acuerdo y le dije a Ray que se quedara con el Conjunto, yo siempre me he pensado como compositor y nos como director, por lo que no me importaba mucho irme del Conjunto Clásico. Mira, yo he sido desprendido de las cosas. La orquesta La Masacre, era mía, y ahora el conjunto Clásico que era mío, no tenía problema en regalarlo. Después creé la agrupación 344 que terminé cediéndola también. Yo soy compositor, yo no soy empresario. Le voy a decir una verdad de a pulso. Cuando hicimos el Conjunto Clásico con Ramón Castro, íbamos mitad y mitad. Le estoy diciendo la verdad. Yo esto nunca lo había dicho, pero lo tengo que decir porque estamos aquí, y porque tú eres un coleccionista y debes saber la verdad. Pasó el tiempo y empezábamos a arreglar los líos judiciales, pero cuando me di cuenta, yo ya no era dueño del Conjunto Clásico, yo era un trabajador del conjunto, y el arreglo desde el principio era que íbamos mitad y mitad, y al final terminó la cosa con que el conjunto era de Castro, pero en desventaja para mí, mis obras, lo que yo escribí, si eran mitad y mitad con él. De los ingresos que generan los derechos de autor de mis composiciones, Ray vive con la mitad y la otra mitad es mía. Del conjunto Clásico sí no, nunca puede volver a tener derecho sobre la mitad que en honor a la verdad me corresponde, porque Ray Castro se quedó con todo. P.S. ¿Pero ustedes al inicio registraron el nombre y protocolizaron la sociedad? R.R. Claro que sí, pero con el correr del tiempo y cuando fui declarado solo como trabajador del conjunto, fui a hacer la reclamación, pero se me respondió que los documentos todos se habían quemado en un incendio, y que ya no existían las escrituras de creación de la sociedad. Sucediendo esto Ray Castro aprovechó para poner el Conjunto Clásico sólo a su nombre.

“Alunizando”: El disco inédito de El Gran Combo.

El disco Alunizando de El Gran Combo de Puerto Rico, es el trabajo inédito que lanza la agrupación tras grabar “Sin salsa no hay paraíso” (2010), “Salsa: un Homenaje a El Gran Combo” (2010), “Arroz con habichuela” (2006) y “Aquí estamos y de verdad” (2004). Es la primera entrega de El Gran Combo, en poco más de cuatro décadas, en que no participa Charlie Aponte, quien el año pasado se lanzó como solista después de literalmente dedicar toda su vida a La Universidad de la Salsa. La gran interrogante era, sí el juvenil Anthony García sería capaz de llenar el vacío de Charlie, evidente también en los coros, y tras varias audiciones de Alunizando, concluimos que a la verdad que sí. El reto del salsero promedio será acostumbrar el oído a la voz de Anthony, como a partir de 1973 la fanaticada lo hizo cuando Charlie entró por Pellín Rodríguez y en 1977 Jerry Rivas por Andy Montañez. Anthony García, cuya labor ha sido elogiada con autoridad por Gilberto Santa Rosa, aporta juventud, frescura y originalidad a El Gran Combo. Estratégicamente, don Rafael Ithier fue acostumbrando poco a poco a su fanaticada con el estreno de varios sencillos, hasta el lanzamiento de Alunizando. La guaracha “Tiene que haber de to”, de Tony Ávila, que cantan Jerry y Anthony, es parte de la estrategia: un estribillo pegajoso, una letra que apela al sentimiento popular, parafraseando contrastes de la cotidianidad, con un arreglo que incorpora el calipso en sus primeros y últimos compases. Original del pianista Willie Sotelo, mano derecha de don Rafa, la secuencia continúa con “Mi Isla”, interpretación de Jerry que resalta las bellezas de Puerto Rico y un sentimiento patrio que reitera que, por ninguna razón, abandonará el terruño. “De aquí no me voy/me quedo aquí en mi Islita”, versa el coro de la composición que se une al selecto núcleo de temas nacionales grabados por el Combo, como “Pico, pico” y “Patria” (Esta es mi patria). Anthony reaparece con la guaracha romántica “Besar tu boca” del cubano Pedro de Jesús, en un arreglo de don Rafael Ithier, pero con swing y un montuno caliente para que el ex cantante de Del Sur al Norte guapee en los soneos. De la firma de Tony Ávila y arreglo de Sotelo, la canción homónima del cedé la interpreta Jerry como un planteamiento jocoso que expone implícitamente los estragos que el hombre causa al Planeta (“con tantos problemas aquí en la Tierra/¿Qué estamos buscando allá en la Luna?). “Arepa con bacalao” retoma el tema de la gastronomía que con sapiencia abordaron en “El menú” y “Arroz con habichuela”. En este son cantan Jerry y Anthony, con un arreglo de dos voces que evoca la era de Los Compadres, partiendo la letra de Leni Prieto de una analogía entre el amor y la cocina, con el joven en los soneos, en otra muestra de su integración con Jerry.Posiblemente “Seguirá”, también de Lenny, es la canción cumbre de la producción. La canta Jerry y su letra recrea cómo El Gran Combo se ha sobrepuesto a las situaciones difíciles afrontadas durante su carrera, sugiriendo que hay Gran Combo para largo rato. Muy bailable, el coro dice “siempre que el mundo quiera bailar/El Gran Combo tocará”. El solo de timbal de Cuqui Santos sella esta memorable interpretación, desde ya obligada, por lo emblemática que es, en sus presentaciones. Un arreglo de Ithier, que evoca el estilo tradicional, al estilo de “Goyito Sabater”, presenta a Anthony en “Sácame el zapato”, un discurso social de un matiz esperanzador, escrito por los hermanos Carlos Javier y Jorge Luis Montes de SonBy4, que captura muy bien, como una catarsis popular en su entrelínea, lo insoportable que para muchos se ha tornado la vida por las decisiones de los funcionarios que dirigen el País. Nuevamente, Leni Prieto aporta la letra y arreglo de “Yo soy tu amigo”, otra interpretación de Anthony, que promueve la solidaridad y el afecto, en las buenas y las malas. El cedé concluye con “Callao Puerto Dorado”, letra de Jorge Mendoza inspirada en ciudad peruana, donde idolatran a El Gran Combo, que pudo reciprocar tanto cariño y respaldo a través de la interpretación de Jerry y los solos del trompetista Luis ‘Taty’ Maldonado y el timbalero Domingo “Cuqui” Santos. El Gran Combo seguirá Alunizando es un disco pa’ bailar y pensar porque, sin mucha densidad, incluye historias de actualidad. La distintiva sonoridad de la combinación de dos trompetas, dos saxofones alto y trombón, con sus peculiares contrapuntos en frases y compases breves, sigue intacta en El Gran Combo. Leni Prieto y Willie Sotelo han sido muy buenos discípulos, asimilando muy bien el sonido institucionalizado por El Gran Combo y custodiado con celo durante las pasadas décadas por don Rafa y Freddy Miranda. Con Alunizando en las tiendas, es digno de encomio el esfuerzo de don Rafael Ithier, quien cumplirá 90 años el próximo 29 de agosto. El Mulato del Sabor entrega uno de los mejores álbumes de su trayectoria de 54 años con El Gran Combo, tras superar problemas de salud, la salida de Charlie Aponte y del trompetista Víctor ‘Cano’ Rodríguez (lo sustituye Carlos M. Vargas) de la organización y la muerte del saxofonista alto Eddie ‘La Bala’ Pérez, cuyo puesto lo ocupa Virgil Rivera.

Marc Anthony seduce y encanta Viña del Mar con sus mejores pasos de salsa.

Viña del Mar.- El cantante de origen puertorriqueño Marc Anthony sedujo al público del Festival de Viña del Mar con sus mejores pasos de salsa en un concierto que tuvo al público en pie en todas las canciones del repertorio que combinó sus éxitos más movidos con sus baladas románticas. Marc Anthony, uno de los artistas hispanos de más éxito, se presentó la noche de este martes al público de la Quinta Vergara con un grupo de 15 músicos, en los que sobresalieron las congas tumbadoras y los vientos, que pusieron el ritmo a los bailes sensuales y continuos. Con la canción “Valió la pena” y “Hubo alguien”, el cantante abrió la noche y provocó que el público abandonara sus asientos por el resto de la actuación. El conocido como “El flaco de oro” se presentó con un elegante traje y unas gafas de sol que se quitó definitivamente con la canción “Hasta ayer”, una balada para cortarse las venas y que le sirvió para mostrar a todos la emoción en sus ojos. “No hablo mucho, vine a cantar”, dijo durante su concierto el cantante nacido en Nueva York y de padres puertorriqueños. Las pocas frases que dijo fueron las justas para acabar de robarle el corazón al público que lo aclamó durante toda la noche. “No hay ningún lugar en el mundo que se sienta como estar en Viña. Llegué tres días antes para apreciar el ambiente que se crea”, aseguró el artista casi obnubilado por esas 15 mil gargantas que coreaban su nombre. Anthony, que es la tercera vez que se presenta al Festival Viña, repasó gran parte de su discografía centrándose en sus primeros éxitos como “Si te vas” (1998) y “Flor Pálida” (2002), de la que dijo que es una de sus canciones favoritas. El que fue durante diez años el marido de la cantante y actriz Jennifer López, condujo con una gran maestría al público por sus canciones más rítmicas, en las que lucía sus pasos de baile más sensuales, hasta las lágrimas con baladas como “Vivir lo nuestro” (1994) y“Ahora quién” (2004). “¿Dónde están las mujeres?” gritó el artista latino a un público que le correspondió con una gran ovación y que de la emoción hizo saltar a dos espectadoras al escenario para acercarse a él y que sorprendieron a los guardias. El cantante también dejó un espacio en el concierto para versionar “¿Y cómo es él?”, una exitosa canción del cantante español José Luis Perales -que ocupó por semanas el primer lugar en las radios-, que ambos cantaron en la última visita de Marc Anthony al Festival en 2012 y que el público coreó durante esta jornada hasta quedar sin voz. Muchos lloraron observando cantar al artista, que por momentos daba la impresión de que el tema emocionalmente le hacía daño. “¿Y cómo es él?/ en qué lugar se enamoró de ti/ De dónde es, a qué dedica el tiempo libre?, Pregúntale/ por qué ha robado un trozo de mi vida/ Es un ladrón, que me ha robado todo”. Antes de concluir su actuación, los presentadores le hicieron entrega de los galardones del certamen, la gaviota de plata y la de oro. Para acabar su actuación intensa, el cantante de raíces latinas se quitó la americana y al ritmo de “Vivir mi vida”, su mayor éxito, se despidió del público de la Quinta Vergara que lo aplaudió a rabiar. Además de la música y la actuación, un campo en el que se inició en 1994 con la película “Natural Causes”, Anthony es un hombre entregado en cuerpo y alma a la filantropía por lo que en el año 2012 creó junto a Henry Cárdenas La Fundación Maestro Cares, para ayudar a construir orfanatos. El salsero abrió con su concierto la tercera jornada del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, el más grande de Latinoamérica, en la noche latina que compartió con el cantante español David Bisbal. En la parrilla de esta sexagésima edición destacan los conciertos de los Backstreet Boys, Raphael, Becky G, Bad Bunny, entre otros.

La República Dominicana,es actualmente la Meca de la salsa, dicen Franklin Negron y Charlie Cruz

Cape Coral,Fl.-El marco del primer Festival de la Familia, celebrado en esta ciudad del Suroeste de La Florida, fue el escenario perfecto para que estas dos figuras de la salsa considieran en tarima y asi poner a bailar a los cientos de latinos en su mayoría oriundos de Puerto Rico que se dieron cita al evento patrocinado por la estación radial Latino 97.7 . El primero en ser entrevistado para este medio escrito y el programa Crónica Te Ve,que se transmite por la cadena Estrella TV y producido por quien escribe, fue Charlie Cruz, oriundo de Rio Piedras Puerto Rico, pero que hizo su carrera musical en la ciudad de New Jersey. Charly dijo que la salsa en la isla dejo de interesar por la falta de estaciones radiales que se dieran cabida en su programación,lo que imposibilitó el surgimiento de nuevas figuras. Cruz alabó el trabajo que se viene realizando en la República Dominicana, en torno al ritmo afroantillano, llevando el país la delantera antes de Colombia, Perú y el mismo Puerto Rico. Expresó el salsero que figuras como Yiyo Sarante, David Kada y la Orquesta de Chiquito Team Band, le dan un empuje increíble al genero en la región. Expresó que sus manejadores están realizando los arreglos para pronto realizar una colaboración con unos de ellos. Asímismo anunció que prontamente estará en las redes su nueva producción musical que sería un homenaje al papá de la salsa, Franklin Ruiz. La producción contará con doces temas con los mismos arreglos originales con los cuales grabó Ruiz y que ya el primer corte está en las calles, que es el tema Dile a El. Luego de enviarle un saludo al pueblo dominicano expresó que lo esperen pronto por la isla donde llegará a promover su nuevo material musical. Mientras que Franklin Negrón sostuvo que se cansó de estar atajando para que otro enlace al hacer rico con su talento a los dueños de las grandes casas disqueras, por lo que formó su propia empresa para realizar sus operaciones. Negrón señaló que a pesar de no tener un tema nuevo en el medio, su nombre y una trayectoria de 22 años que lo cumplió en el mes de enero le ha permitido mantenerse en el gusto de su fans y que las presentaciones a nivel de las diferentes ciudades de USA, siempre están presente. Al referirse al por qué la salsa que se produce en Puerto Rico no tiene la fuerza de años atrás, dijo que "la juventud está pidiendo mas música urbana actualmente y que los cantantes actuales deben reorientarse y realizar mezclas con los ritmos y colores de ahora para continuar y entrar al gusto actual, claro, siempre manteniendo la esencia del ritmo salsa. Negrón dijo que a pesar de continuar tocando se esta dedicando más a la busqueda de nuevos talentos, en Colombia, Perú y el mismo Puerto Rico. Al cuestionarle en torno al ritmo como está actualmente expresó que la República Dominicana, con figuras como Chiquito TinBand, Alex Matos al igual que Yiyo Sarante, están muy por delante a otros países, por lo que Santo Domingo se ha convertido en una plaza muy importante para el género y debe usarse como termómetro a nivel mundial en torno al genero. Franklin agradeció de corazón el apoyo que siempre le han dado los dominicanos a su música y que pronto estará en República Dominicana presentando su trabajo e interpretando los temas que lo hicieron popular .

Eddie Palmieri: “Les digo una sola palabra: preparación”.

El maestro compartió con estudiantes de la Universidad Interamericana de Puerto Rico, recinto Metro, en San Juan. La amplia trayectoria musical que ha cosechado el maestro Eddie Palmieri no solo le da la satisfacción de mirar atrás y ver que el sueño que forjó desde su adolescencia se hizo realidad, sino que, además, le hace sentir responsable de motivar a otros que como él, anhelan sobresalir en la rama en la que ha sido tan exitoso. “Yo enseño también en la escuela de Rutgers University en New Jersey, doy un master class de piano y le hablo a los estudiantes, y haciéndolo aquí en nuestra tierra de Puerto Rico, es un honor tremendo”, expresó el virtuoso pianista previo a la presentación de su Clase Magistral ayer en la Universidad Interamericana de Puerto Rico, recinto Metro, en San Juan. El evento formó parte de la celebración de los 20 años de fundación del Programa de Música Popular. Además del encuentro con los estudiantes, el compositor y arreglista participaría de un Concierto de Aniversario en la noche junto con la Big Band del recinto. “A ellos les digo una sola palabra: preparación”, expresó el ganador de tres premios Grammy. “También, el estudio. Si no aman lo que están haciendo no lo deben hacer. Tienes que amar lo que haces. Si eres músico, saber que en la música siempre se está aprendiendo. Yo me considero un estudiante de música”, manifestó pensativo el responsable de sobre 40 producciones discográficas, incluyendo Mi luz mayor, que publicó el año pasado, y que dedicó a su fallecida esposa, Iradia González Planas. El también creador de la legendaria banda La Perfecta en la década de los 60 expresó su añoranza por la excelencia musical de entonces. “Me siento siempre bien dichoso de que he podido lograr lo que yo pensaba, que era ser director de una orquesta excitante, porque lo que tenemos ahora, si tú pones la radio comercial es como coger un purgante bien malo, tú no sabes qué hacer, es increíble”, comparó sobre el género tropical en el que se ha destacado. “Cuando yo era joven, en la calle jugando stickball, la radio comercial tenía a Machito y su orquesta todos los días tocando. A Tito Puente, Tito Rodríguez. Eso no se escucha ahora. Lo que se escucha ahora es una música que no tiene tensión y resistencia, así que recomiendo que los que vayan a bailar con su pareja, se lleven dos almohadas pequeñas porque te vas a quedar dormido cerca de la tarima de baile”. El músico de 82 años, quien le adjudicó responsabilidad a las casas disqueras de renombre, y aclaró que no tiene la intención “de ofender a nadie”, reiteró que la calidad musical actual ha decaído y que “si baja más llegamos al infierno (ríe) porque lo que tenemos es un desastre. Gracias a Dios que todavía estoy vivo yo”. Durante su clase en el recinto, el también apasionado del jazz latino compartió numerosos consejos para guiar a la excelencia académica musical, incluyendo el valor de practicar para repetir “porque la preparación toma años”, la realidad de que se trata de una carrera sacrificada, y su aprendizaje de “que la matemática es el alma de la música y del arte”.

El Gran Combo de Puerto Rico recibirá la máxima distinción que otorga el Ateneo Puertorriqueño.

El Gran Combo de Puerto Rico recibirá la máxima distinción que otorga el Ateneo Puertorriqueño, su Medalla del Centenario, según dio a conocer el Dr. Hamid Galib, presidente de la mencionada institución cultural y su junta de gobierno. La ceremonia de entrega del galardón se efectuará este jueves, 21 de febrero, a las 7:00 p.m., en la sede del Ateneo Puertorriqueño, Viejo San Juan. La Medalla del Centenario del Ateneo Puertorriqueño fue acuñada por el Ateneo al cumplir sus cien años de existencia en 1976, y es descrita como “una de las más importantes distinciones que la Docta Casa de la Cultura Nacional otorga a los destacados hijos de la Patria Puertorriqueña”. La medalla -que ostenta la fachada de la institución y el rostro de uno de sus principales fundadores, Don Manuel Elzaburu- representa la exaltación de los más caros valores nacionales expresados a través de la cultura. “Para el Ateneo Puertorriqueño, El Gran Combo de Puerto Rico representa con suprema excelencia, la esencia misma de nuestra alma musical popular. Esencia que vine de una larga tradición cosechada desde el mismo siglo XIX y que se manifiesta en su momento cumbre de calidad y difusión con la obra de Rafael Ithier y el Gran Combo de Puerto Rico”, expresó Galib. “El Gran Combo ha sido mensajero y apóstol de la buena nueva de una música autóctona que define nuestra singular personalidad como nación y ha dejado la honda huella de su talento, de su originalidad, de su profesionalismo y prestigio sobre las nuevas generaciones de cantantes y grupos musicales. El Gran Combo de Puerto Rico es una de las más sólidas muestras de nuestra dinámica resistencia cultural, por haber mantenido a través de la música popular, la voz de la calle y de nuestros barrios, de nuestras angustias y victorias, y lo ha logrado exaltándolas en un género profundamente nuestro como lo es la salsa”.

Revolución Salsera suma dos nuevos integrantes.

SANTO DOMINGO.- El grupo Revolución Salsera anunció que ha sumado a su orquesta dos nuevos integrantes entre los vocalistas de la agrupación. Se trata de los cantantes Rafael Núñez López (Danaes) y Elías Alexander Matos (Alexito), quienes tienen sobrada experiencia en el mundo de la salsa. Según reseña un comunicado de prensa de la agrupación, los cantantes que ya forman parte del grupo desde hace casi dos meses están calificados por sus colegas como dos voces nuevas, de gran talento y alto nivel profesional que darán más energía y color a la salsa dominicana. Revolución Salsera que sigue teniendo entre sus voces a los experimentados artistas salseros Kelvin Saviñón y Lugo Santana están de estreno con el tema “Color de esperanza”, popularizado por el cantante argentino Diego Torres. Con la inclusión de estos nuevos cantantes y un trabajo de marcados pasos Revolución Salsera camina a una nueva etapa que podría marcar el inicio de una importante internalización de la agrupación. Aunque están cobijado bajo la empresa Carlos Bautista y Asociado, será Giordano Landrón quien se encargará de trabajarlos como manager. Revolución Salsera salió al ruedo musical en 2015, desde entonces se han mantenido como lo romántico de la sala, llevándolo a ganar el galardón Revelación del año de los premios Soberano, así como otros importantes reconocimientos. Han pegado más de 20 temas y tienen grabado un disco titulado “Sin fecha de vencimiento”. Han participado en los eventos más importantes realizados en el país como el Festival Presidente de Música Latina. Sus videos han estados nominados en importantes premios y ellos se han consolidado por hacer música de calidad. Entre sus éxitos están las composiciones “Mi princesa”, “A falta de ti”, “No hay sombra”, ¨El amor es libre”, “Te prometí”, “ Se nos murió el amor”, “Porqué me ilusionaste”, “Nos hizo falta tiempo”, entre otros.

El Caballero Gilberto Santa Rosa desbordó la isla de Cuba con conciertos masivos tras su primera visita

Luego del concierto que el salsero boricua Gilberto Santa Rosa ofreciera en Varadero, como parte de las actividades del “Festival Josone Varadero Jazz & Son”, se esperaba y con mucho entusiasmo su presencia en la capital del país: La Habana. Y Gilberto, que terminó su concierto en Varadero pasadas las 3:45am luego de interpretar más de 20 temas a modo de “resumen” de una carrera artística que dura ya más de 40 años, no podía hacer menos ante miles y miles de habaneros que lo aguardaron con devoción frente al Hotel Nacional de Cuba. El salsero, que arribó a Cuba el pasado viernes en horas de la mañana, volvió a sentir bien de cerca el cariño que se le profesa en la isla, a la cual visitaba por primera vez.En una entrevista que concedió al diario El Nuevo Día, Santa Rosa dijo sentir una emoción increíble por estar en suelo cubano. “Yo no estaba listo, porque yo soy un poco incrédulo y mis amigos de la música, y otras personas, me hablaban del recibimiento que me iban a dar aquí, pero ha sido increíble desde el momento que me bajé del avión”, dijo el “Caballero de la Salsa”. Por si le quedaba alguna duda, los habaneros terminaron por quitársela una vez que Gilberto subió a la tarima e interpretó temas como “Déjate querer”, “Vino tinto”, “Conciencia”, “Vivir sin ella”, “Sin voluntad”, “Los días pasan”, “Números” entre otros. Al igual que en Varadero, el salsero boricua interpretó el tema “Un montón de estrellas” del compositor cubano Polo Montañez. Gilberto intercambió durante varios minutos con el público cubano el cual tarareó cada una de sus canciones como si hubiese sido ayer mismo que su excelencia musical hubiese llegado a los oídos cubanos, y no hace ya casi tres décadas, cuando se convirtió en un favorito del público cubano durante el boom salsero en la isla de Cuba.

Rubén Blades y Making Movies dicen: “No te calles”.

Los Ángeles Rubén Blades ha vuelto al rock por invitación de una joven banda latina de Kansas City con la que llama al mundo a alzar la voz contra un mal común en Latinoamérica: la corrupción. El astro panameño de la salsa y el grupo Making Movies lanzaron la semana pasada “No te calles” como parte de un proyecto con el que buscan despertar a la ciudadanía. “Nuestro silencio e inactividad cívica alimenta y perpetúa a la corrupción”, dijo Blades a The Associated Press en una entrevista realizada por correo electrónico. “Si todos alzamos nuestras voces, encontraremos que en cualquier sociedad hay más personas que desean justicia, e igualdad”, expresó por su parte Enrique Chi, vocalista y guitarrista de la banda. “¡Sal a la calle y no te calles!/La corrupción ataca, ahoga con su trampa/el político ladrón que destruye a la nación/El silencio oculta la verdad como el odio nuestra humanidad”, dice parte de la letra. La canción fue grabada en Arizona, Nueva York y Memphis, Tennessee, mientras que el video, estrenado el viernes pasado, se filmó en Nueva York. Cuenta con la producción de Steve Berlin de Los Lobos, quien también estuvo detrás de los dos álbumes de Making Movies “A la deriva” (2013) y “I Am Another You” (2017), y quien había colaborado con Blades en el tema “Ya se va”. “Él (Berlin) ha sido nuestro mentor y nuestra brújula por los últimos cinco años. Sabe dirigir nuestra creatividad sin cambiar nuestra personalidad. Siempre es un honor trabajar con él”, escribió Chi. Tanto Blades como Chi consideran que solo con la participación ciudadana se podrá atacar otros problemas como el racismo y la intolerancia, la discriminación, la falta de justicia igualitaria o las amenazas a la democracia como las que se viven actualmente en países como Venezuela. “Creemos que si más miembros de la sociedad participan en la democracia y se niegan a aceptar a líderes corruptos como algo inevitable, poco a poco avanzaremos hacia una sociedad más justa”, dijo Chi. La historia de Blades con el rock es larga. Es un género con el que dice que ha estado involucrado desde los 12 años. “La gente se olvida, o ignora, que antes ya grabé y escribí con Lou Reed y con Elvis Costello”, señaló. Efectivamente, en 1988 Blades lanzó el disco “Nothing But The Truth” con canciones escritas por Costello y Reed, quienes también estuvieron en la guitarra. Previamente Reed había invitado a Blades para su álbum “Mistrial” de 1986. Making Movies es sangre nueva para este lado del amplio espectro musical de Blades. Fue fundada por los hermanos panameños Enrique (voz y guitarra) y Diego Chi (voz y bajo), y cuenta con el percusionista de origen mexicano Juan Carlos Chaurand y su hermano Andrés en la batería. “Cuando los escuché me gustó la energía del grupo y su incorporación de elementos percusivos y afro-cubanos al formato rock”, dijo Blades. Chi, en tanto, destacó la “poesía de Rubén” como el principal gancho para colaborar con el músico panameño. “Realmente ha sido un aprendizaje para mí como cantautor poder oír sus ideas sobre nuestra música. Esto nos inspira a continuar nuestra búsqueda como artistas con la esperanza de alcanzar esos niveles”, señaló Chi. “No Te Calles” formará parte de un mixtape de Making Movies con colaboraciones de aristas de diferentes géneros que se complementará con el portal NoTeCalles.World, donde habrá una plataforma para que los fans puedan grabar audio o video interpretando la canción.

LA 33 Entre la tradición y el ‘underground’.

El grupo de Bogotá La 33 combina la actitud rock con la tradición de la salsa y los sonidos de estilos como el 'boogaloo' y la descarga.A comienzos de enero, poco antes de que su nombre nuevamente estremeciera a toda América Latina, aunque esta vez por la polvareda que levantaron sus polémicos tuits sobre la actual situación política de Venezuela y la salud del presidente Chávez, el legendario salsero Willie Colón empleó su cuenta de la red social del pajarito azul para recomendarle a sus seguidores a Bacalao Men. “Está chévere. Nice!”, expresó el artífice nuyorican, al que se le debe el protagonismo del trombón en el género, y que formó célebres tándems junto a Héctor Lavoe y Rubén Blades a lo largo de su prolífica trayectoria, acerca de la agrupación caraqueña que fijó recientemente residencia en Miami. Y es que el combinado creado en 1999 promueve una manera diferente de comprender y redimir la salsa, primordialmente la llamada brava, a partir de la impronta ecléctica de sus integrantes. Casi todos tienen un pasado importante en el rock, especialmente su líder, el bajista y cantante Pablo Estacio –referente en los ochenta del post punk de la cuna de Bolívar–, lo que ha permitido la elucubración de un sonido híbrido en el que también fluyen el funk afrodisíaco, el lado oscuro de la electrónica, el hip hop y la psicodelia. Mientras Bacalao Men prepara su cuarto álbum de estudio, el sucesor de Sabaneando (2011), los países de la región en los que la salsa se arraigó como un estilo de vida han sido testigos, al menos en la última década, del auge de proyectos abocados al género erigidos por músicos formados en la cultura rock. No obstante, este fenómeno, que sucede en simultáneo con la aparición de orquestas y grupos de la escena salsera conformados por jóvenes que dieron rienda suelta a un modesto repertorio original –antes que resignarse a la reproducción de esos clásicos imposibles de superar–, ofrece dos variantes: la que apela a la fusión o la que apuesta por la recreación del estilo. En ese sentido, el grupo colombiano La 33 comanda el conglomerado de agrupaciones que rescataron el espíritu proletario del sonido engendrado en las calles de Nueva York y de las metrópolis caribeñas, que alcanzó su época dorada en la década de los sesenta y setenta, pero que, gracias al flirteo de sus integrantes con el pop, el heavy metal, el punk o la electrónica, caló hondo en las nuevas generaciones de público de su país, sobre todo en una audiencia ajena al circuito musical tropical. “Si bien un rockero es muy diferente a un salsero, en su forma de vida o en la manera de moverse sobre el escenario, respetamos la salsa e intentamos hacerla lo más pura posible. A partir de esa base, y de nuestras ganas de encontrar una identidad y un sonido propio, el grupo se destacó por tener un tinte diferente”, argumenta Sergio Mejía, director y bajista del conjunto establecido hace 12 años en Bogotá, en parte, como respuesta a la dictadura del reguetón en la noche capitalina, antes de su debut en Buenos Aires, a comienzos de enero, en la discoteca Niceto Club. “Tras estudiar la salsa de los sesenta y setenta, que era ese sonido neoyorquino y caribeño que nos gusta, rescatamos la agresividad que se perdió en los ochenta, década en la que ese sabor callejero tomó rumbo para otro lado y fue reemplazado por una onda muy pop. Retomamos, entonces, esa impronta más antigua, fundamentada en el boogaloo, la descarga y otros estilos, y la volvimos a posicionar, aunque con elementos diferentes, un poco por el background de cada músico. Sin embargo, pese al tiempo transcurrido, seguimos aprendiendo”. La 33 irrumpió en una época en la que el fascinante underground bogotano se preparaba para el recambio no sólo generacional, sino musical, con el indie y la música dance entre sus principales bastiones sonoros. Por eso, substancialmente en sus primero años, fue considerado, por esa misma condición contextual e insular, una agrupación de culto. “Creo que eso se debió a dos cosas: a ese rescate del sonido que en algún momento se perdió, pero que un montón de gente, tanto en Colombia como en el resto del mundo, continuó consumiendo y consultando, a manera de referencia esencial, porque muchos coleccionistas de salsa siguieron comprando esos discos y escuchando música vieja. Así que una generación de público se quedó prendada a ese tipo de salsa, y no me refiero sólo a los intelectuales, sino a todas las clases sociales”, describe Simón, cuyo liderazgo en la banda lo comparte con su hermano Santiago, pianista y coordinador de la orquesta que tomó su nombre de la calle en la que se encuentra su sala de ensayo. “Al mismo tiempo, la juventud que tiene el grupo, esa apariencia rockera, atrajo también a una audiencia más joven”. Ahora que se encuentra en proceso de realización la adaptación cinematográfica, puesta en marcha por el director Carlos Moreno, de la venerada novela ¡Qué viva la música! (1977), de la hoy estrella de pop de la literatura colombiana, el desaparecido Andrés Caicedo (se suicidó a los 25 años, tras recibir una copia del libro), en la que la salsa y los Rolling Stones confeccionan la banda de sonido del argumento, La 33 podría suponerse como el insólito arrebato de la imaginería del escritor caleño. Lo cierto es que el grupo bogotano es el conjunto de cabecera de un sector de estudiantes universitarios que sigue con devoción el rico heraldo salsero local, que tiene en el célebre Joe Arroyo a su figura universal. A pesar del respeto por esa iconografía, el conjunto del barrio de Teusaquillo salió adelante con un repertorio en el que paulatinamente predominaron las canciones propias. “Las discotecas siempre nos exigían que tocáramos versiones porque la gente baila lo que conoce. Si nadie sabe quién eres, mover la pista no es tan sencillo”, afirma el bajista y director. “De forma que, aparte de nuestros temas, incluimos música que ya existía para que nos ayudara a lidiar con el público”. Así que además de La pantera mambo, una adaptación del tema de La Pantera Rosa, de Henry Mancini, o de atreverse a improvisar un intro inspirado en Something About Us, de Daft Punk, La 33 ha consolidado un repertorio original fundamentado en la salsa brava, llamada asimismo salsa dura. No obstante, el revestimiento de ésta por un brío desprendido del rock y sus variantes, del disco o del jazz evoca los experimentos que consumó el colectivo Fania All Stars en los setenta, patentado en álbumes como Latin Soul Rock (1974), Rhythm Machine (1977) o Spanish Fever (1978), camino que han seguido otras formaciones colombianas, de las que destacan los antioqueños Banda La República. “Nosotros no fusionamos directamente, pero, a partir del surgimiento de La 33, hubo un par de propuestas que mezclaron salsa y rock. No tuvo un desarrollo significativo aún, aunque de a poco están dando sus frutos”, apunta Mejía. “Sin embargo, hay una influencia que nos antecede, que no se dio tanto hacia la salsa, sino por la música afrocolombiana, que fusionó con el rock los ritmos de nuestras costas. Desde ese momento, hubo un interés muy grande por estudiar el folclore local”. A pesar del éxito que ha tenido esta nueva avanzada de artistas de la nación cafetera, que han mixturado la tradición con la modernidad musical y cultural, grupos como Bomba Estéreo, Los Piraña y hasta La 33 no pudieron calar en el dial nacional, por lo que han tenido mayor proyección en los medios extranjeros que en los de su país. “Este underground es un movimiento nuevo, que en Colombia tiene cierta fuerza, pero sigue siendo muy desconocido”, se lamenta el mandamás de La 33. “Lo que mejoró muchísimo es la manera de mover a las bandas hacia el exterior, pues todo el mundo está pendiente. En Colombia, la música folclórica o de fusión no tiene espacio en la radio, y es complicado llegar a eso, a que la música trascienda dentro del país. Y me parece que esto ocurre más fuera que dentro. Igualmente, los problemas políticos que han estado permanentemente entre nosotros, influyeron en el desarrollo de la cultura. Por ahí leí una frase que decía que en los sitios donde hay crisis, el arte crece mucho más en comparación a los no los tienen. Digamos que si es verdad, buena parte de nuestra música ha estado marcado por esa circunstancia”. Tras quemar un sinfín de cartuchos de soul, jazz y electrónica, el productor y músico británico Quantic se instaló en Cali, el gran salsódromo colombiano, hechizado por el estilo. Y su decisión fue atinada, pues, desde que llegó a la urbe enclavada en la cordillera de los Andes, no hizo más que poner a bailar a públicos de todo el mundo a través de sus laboratorios tropicales Quantic Presenta Flowering Inferno, Combo Bárbaro y Ondatrópica (los dos últimos abocados a los sones populares de la nación sudamericana). No obstante, pese a la propuesta revitalizadora de La 33, discos como Fania DJs Series (2007), en el que el productor radial y musical inglés Gilles Peterson remezcla a la Fania All-Stars, o proyectos del temperamento de Sidestepper, donde la electrónica le da la mano a los ritmos afrocolombianos y, por supuesto, a la salsa, han demostrado una apertura contemporánea del género hacia la renovación. “Claro que se puede”, señala Simón, mientras prepara el cuarto álbum de su grupo. “Uno tiene que ser cuidadoso y aprender a hacer las cosas. No es que La 33 vaya a empezar a hacer salsa electrónica, pero si un DJ nos llama para pedirnos un tema nuestro para remixarlo, se lo damos”.

Muere Ismael Quintana, maestro salsero puertorriqueño.

Ismael Quintana, cantante de salsa de 78 años, murió el pasado sábado en una residencia de Colorado (Estados Unidos), donde se hallaba internado tras varias operaciones provocadas por dolencias cardiacas. Había nacido el 3 de junio de 1937 en Ponce, ciudad portuaria de Puerto Rico que ha producido extraordinarios vocalistas: Héctor Lavoe, Cheo Feliciano, Pete El Conde Rodríguez… En verdad, la familia Quintana se trasladó a Estados Unidos cuando Ismael todavía era un bebé; aun así, Ismael gustaba de identificarse como puertorriqueño y dedicó varias canciones a su tierra natal. Creció en el Bronx neoyorquino y trabajó como tornero. El cierre de la fábrica donde estaba empleado le empujó al mundo de la música, incorporándose a diferentes orquestas durante los años cincuenta, primero como percusionista y, posteriormente, como corista. Era una labor que compatibilizaba con empleos diversos: el circuito de los ritmos afrocubanos, entonces muy modesto en lo económico, no le permitía profesionalizarse. Fue el pianista Eddie Palmieri quien advirtió que tenía potencial como cantante solista. Le llevó a su Conjunto La Perfecta, banda que partió del formato de la charanga —con metales reemplazando al violín— para crear temas extensos, fruto de la liberación de la energía instrumental y vocal de la formación. Quintana y Palmieri acumularían éxitos a lo largo de los sesenta, como Café, Justicia, El molestoso, Óyelo, que te conviene o Sujétate la lengua. Quintana acompañaría a Palmieri en sus colaboraciones con el vibrafonista Cal Tjader, El sonido nuevo (1966) y Bamboléate (1967). Por su cuenta grabó con otros artistas de la época, incluyendo a Joe Cuba: participó en el famoso Songs Mama Never Taught Me, compilado de canciones pícaras. Su primer elepé bajo su nombre, Punto y aparte, salió en 1970 con UA Latino. Siguió cantando con el Palmieri más ambicioso, en temas del calibre de Vámonos pa’l monte o Revolt / La libertad lógico; juntos grabaron discos memorables tanto en la prisión de Sing Sing como en la Universidad de Puerto Rico. La carrera de Quintana como solista aceleró en 1974, con su fichaje por Vaya, subsello de Fania Records. La compañía estaba en la cresta de la ola e Ismael se benefició de contar con su extraordinario equipo de instrumentistas y los arreglos de Bobby Valentin, Papo Lucca o Louie Ramírez. Entre sus éxitos, destacaron Mi debilidad, Maestro de rumberos y Tambó (Me acompaña él). Exclamación venezolana Según la leyenda, fue Quintana quien difundió por Nueva York el uso de la palabra “salsa”: era una exclamación de deleite que había escuchado durante unos conciertos en La Guajira venezolana. Curiosamente, sus preferencias personales iban por los boleros, género que dominaba el tocadiscos de sus padres. Jerry Masucci, capo de Fania, apreciaba el hecho de que Ismael componía temas y, sobre todo, sus habilidades como sonero. Le incorporó a aquel acorazado llamado Fania All Stars (FAS). Se puede escuchar a Quintana en numerosos discos en directo de FAS registrados en Nueva York, Zaire, Japón, Cuba, Puerto Rico o Colombia. También participó en Tributo a Tito Rodríguez (1976) y otros discos de estudio como Commitment (1980) y Lo que pide la gente (1984). Entre la alborotada tropa de FAS, abundante en bandarras, Quintana pertenecía a la facción más moderada, alejada de drogas y excesos. Habituado a organizar su vida a través de la Fania, le pegó duro la caída del imperio de Masucci. A la vez, como a todos sus compañeros de generación, le afectó el ascenso de la salsa romántica, que él denominaba despectivamente salsa monga. En sus últimos años, actuaba con regularidad por Sudamérica y el Caribe, donde todavía se mantiene la demanda de la llamada salsa brava.

Will Smith aprende de Marc Anthony el arte de la salsa.

El actor Will Smith ha sorprendido a sus seguidores en un vídeo de Instagram donde aparece recibiendo unas improvisadas clases de salsa del cantante Marc Anthony sobre la cubierta de un yate en Miami. Hasta ahora Smith, una de las estrellas mejor pagadas de Hollywood, era conocido por sus pinitos en el mundo del rap —muchos continúan cantando la intro que el conocido actor coreaba en El príncipe de Bel Air, serie que lo lanzó a la fama—, pero nunca que se sepa se había adentrado en el mundo de la danza latina. En unos días, el vídeo salsero con el ex de Jennifer López ha recibido más de nueve millones de visualizaciones y miles de comentarios.En el clip, Will Smith y Marc Anthony, ambos de 49 años, aparecen bailando al ritmo de Vivir la vida, canción del músico de origen puertorriqueño, en un ambiente festivo. Con paso tembloroso, Smith logra finalizar la coreografía con el mítico paso de baile de Anthony —un giro de 360 grados sobre la pierna izquierda como punto fijo y con los brazos extendidos—. Tras acabar, los dos artistas ríen y se abrazan. "Eres brillante. ¡Bien hecho Will!", dice Anthony a su alumno. "#Bucketlist - lecciones de salsa de Mar Anthony... hecho", apunta el actor de Soy Leyenda en la publicación. No es la primera vez que el actor de la saga de Hombres de Negro acepta un reto. Hace un mes, varios seguidores le reprocharon que no se supiera la letra de la canción de La Bamba. Will Smith, volvió a sorprender con un vídeo donde se grababa en su coche cantando la canción tradicional mexicana en castellano.

Perro recibe diploma de maestría en Nueva York.

Siempre que Brittany Hawley iba a clase, su leal perro de servicio Griffin estaba ahí. Si necesitaba su teléfono, Griffin se lo llevaba. Incluso cuando atendía a pacientes como parte de un internado, Griffin también estaba ahí ayudando. Por lo tanto, es apropiado que cuando Hawley reciba su título de maestría en terapia ocupacional de la Universidad de Clarkson el próximo mes, Griffin esté nuevamente a su lado con un diploma honorario para él. “Presioné para que él también se graduara desde el primer día”, comentó Hawley. “Hizo todo lo que yo hice”. La junta directiva de la institución en Potsdam, Nueva York, honró al perro de raza golden retriever de 4 años el fin de semana, y señaló que demostró un “esfuerzo extraordinario, un compromiso constante y una dedicación diligente al bienestar y éxito estudiantil” de Hawley. Hawley, de 25 años, usa una silla de ruedas y tiene dolor crónico. Dijo que Griffin hace una amplia variedad de tareas físicas para ella, como abrirle las puertas, encender las luces y llevarle objetos que ella le indica con un apuntador láser. Pero quizás lo más importante es la tranquilidad que el perro le brinda en medio de su incesante y severo dolor que le causa ansiedad y depresión. Hawley recibió a Griffin a través de “paws4prisions”, un programa que enseña a los reclusos de las prisiones de Virginia Occidental a entrenar y colocar perros de asistencia de alto nivel. “Los reclusos permiten que muchos perros se te acerquen y dejan que ellos te elijan”, dijo Hawley. “Algunos perros tenían miedo de la silla de ruedas. Griffin saltó a mi regazo y me lamió la cara”. Hawley y Griffin trabajaron en la base militar de Fort Bragg en Carolina del Norte durante un internado, ayudando a soldados con problemas de movilidad y trastornos psicosociales. Cepillar a un perro puede ayudar a que el paciente mejore su capacidad de movimiento y acariciarlo le ayuda a calmar su ansiedad, señaló Hawley. “Mis pacientes dirán: ‘Mis terapeutas son Brittany y Griffin’”, comentó, y agregó que cuando solicite empleo, ella y Griffin vendrán en paquete. “No podría participar en algo sin él”, dijo. “Estoy muy acostumbrada a que esté ahí”.

Disney celebra el 90 cumpleaños de Mickey Mouse con una muestra en Nueva York.

Nueva York.– Disney celebró hoy el 90 aniversario de su estrella protagonista, Mickey Mouse, con la inauguración oficial de una extensa exposición que rinde homenaje al impacto de este conocido personaje en la cultura popular y que presenta obras de más de 20 reputados artistas de todo el mundo. La muestra, “Mickey- The True Original Exhibition”, podrá verse en el Meatpacking District de Nueva York, situado en el oeste de Manhattan, hasta el próximo 10 de febrero, y está formada por obras de arte, fotos de gran tamaño, interacciones creativas y artículos de promoción comercial que conmemoran su cumpleaños. Los casi 1.500 metros cuadrados de exhibición han sido instalados en Nueva York porque fue en esta misma ciudad en la que el ratón debutó en la gran pantalla el 18 de noviembre de 1928, con el cortometraje “Mickey Mouse- Steamboat Willie”. La muestra ofrece la posibilidad de admirar obras de artistas tan destacados como Keith Haring, que en 1981 convirtió a Mickey en su inspiración con su dibujo “Untitled (Mickey Mouse)”. La pieza está acompañada además de una selección de instantáneas originales de los años 80 del artista junto a otras piezas famosas del protagonista de Disney, hechas por el fotógrafo Tseng Kwong Chi. En ese sentido, es la primera vez que se reúnen las obras de Haring y Tseng, dos amigos que compartían una gran pasión por la cultura popular y los iconos. El español Javier Sánchez Medina, conocido por su trabajo con fibras naturales, participó también en el 90 aniversario de Mickey con una escultura en anea y ratán de sus célebres manos, sobre la que caía un potente foco que proyectaba su inconfundible sombra. Los artistas estadounidenses Daniel Arsham y Katherine Bernhardt también participan con sus obras en la exposición, que se divide en una docena de salas temáticas en las que se incluyen piezas originales e históricas sobre Mickey. El recorrido descubre algunos de los momentos más importantes del nonagenario a través de escenas en blanco y negro de cortos de dibujos animados clásicos, una reinterpretación de “El aprendiz de brujo”, de la obra maestra de Walt Disney, “Fantasía”, y una recreación del set de “All New Mickey Mouse Club” de los años 90. Los seguidores del simpático ratón pueden además admirar la colección de los Archivos de Disney con productos icónicos que se han inspirado en él a lo largo de las décadas, así como el Óscar que se le concedió a Walt Disney en 1932 por la creación de Mickey Mouse. Disney anunció en un comunicado que ya se han agotado las entradas para ciertas franjas horarias para el mes de noviembre, y varios conocidos actores y artistas ya han asistido al evento de inauguración del espacio, como la actriz Sarah Jessica Parker, que posó ayer con las orejas de Mickey frente a la obra de Haring. Han pasado por el espacio también la modelo e intérprete británica Tail Lennox; el actor Jason Biggs y su pareja, la también actriz Jenny Mollen; la conocida editora de moda Zanna Roberts Rassi, que acudió con su marido y dos hijas; y la modelo Marina Testino, sobrina del fotógrafo de moda Mario Testino.

Backstreet Boys anuncian disco y gira mundial: “Hay un futuro para nosotros”.

Las Vegas.- Ya no son los chavales más deseados de los 90 sino padres cuarentones en 2018, pero Backstreet Boys, que han anunciado nuevo disco y gira mundial, aseguraron a Efe que, sin renunciar a la nostalgia y los clásicos de su época dorada, también quieren mirar hacia adelante. “Nuestro nuevo álbum ‘DNA’ es realmente el futuro hacia donde vamos. Porque mucha gente tiene esos recuerdos y esa nostalgia de los años 90, pero esta nueva música es un nuevo tiempo. Estamos en un buen momento en nuestras vidas. Somos padres, nos sentimos cómodos con lo que somos y eso se traslada al disco canción a canción”, dijo Brian, uno de los cinco Backstreet Boys. “Hay un futuro para nosotros. No somos ‘algo que fue’- somos ‘algo que todavía será’”, defendió. El grupo formado por Brian, Kevin, Nick, A.J. y Howie (fueron tan famosos que bastaban sus nombres de pila para reconocerlos) publicará el próximo 25 de enero su disco “DNA”, del que hoy se conoció su segundo single, “Chances”, compuesto por Ryan Tedder y Shawn Mendes. Y para celebrar tanto este nuevo trabajo como su cuarto de siglo de carrera, Backstreet Boys recorrerán el mundo con “DNA World Tour”. Bromistas y juguetones (“Dinos quién es tu preferido de la banda”, retaron al periodista), Backstreet Boys tratan de conservar la magia de aquellos jóvenes que se merendaron el mundo a base de coreografías perfectas y singles inapelables como “I Want it That Way” o “As Long As You Love Me”. De la escuela de Take That, precursores de NSYNC y reflejo masculino de Spice Girls, Backstreet Boys lograron que sus fans, especialmente chicas, reventaran índices de decibelios con sus gritos y llenaran, entre anhelos de utópicos romances, carpetas y dormitorios con sus fotografías. “Estamos muy agradecidos. Obviamente, nunca soñamos con que esto podía ir tan lejos como ha llegado. Pero es una prueba real, primero, de la música, también de nuestros seguidores, y, además, de cada uno de nosotros. Todavía somos unos apasionados de lo que hacemos”, apuntó A.J. “Esperemos seguir 25 años más, quizá con andadores y bastones, pero lo haremos lo mejor posible”, añadió entre risas. El grupo adelantó que “DNA” es una combinación de las “armonías a cinco voces y el sonido distintivo” de Backstreet Boys junto a algunas novedades. “Realmente creo que es una buena mezcla de nuestros discos anteriores y lo que esperamos en adelante. Un poco de lo antiguo y un poco de lo nuevo”, resumió A.J. Ahí se sitúa “Chances”, segundo single de “DNA” tras haber desvelado en mayo “Don’t Go Breaking My Heart”, y que se dio a conocer hoy con una letra sobre las oportunidades y el azar. “Si piensas cuáles eran las posibilidades de que todos nos conociéramos y que estuviéramos aquí 25 años después… Es el destino. Es algo como predeterminado, como un regalo del cielo, tenía que ser así, no podía ser de otra manera”, consideró A.J. Brian añadió que “todo sucede por una razón”. “Todos desempeñamos un rol en hacer exitoso a este grupo. Los cinco tenemos nuestros sonidos y apariencias individuales”, apuntó. “Pero no nos podemos imaginar haciendo otra cosa porque esto es lo que sabemos hacer”, indicó Brian sobre “la unión inquebrantable” que articula el grupo y que se convirtió, según sus palabras, en “un estilo de vida”. La “boy band” también habló sobre cómo el caos y la locura que desataban entre sus seguidores se ha convertido ahora en un amor algo más saludable. “Nuestras fans ya no tienen diez u once años, son adultas, son mamás. Y ahora cuando nos ven en un restaurante dicen- ‘Oh, ¿nos podemos tomar una foto?’. Pero no es como- ‘¡Aaahhh…!’, dijo A.J. imitando un chillido adolescente. Y con la ventaja de haber vivido los últimos años de la industria antes de internet, Brian reflexionó sobre los nuevos tiempos. “Hay algo especial acerca de hacer música. Nos lleva mucho tiempo elaborar nuestro sonido y hacer todo lo que se debe antes de entregarlo al mundo. Y si alguien no tiene diez segundos para escuchar una introducción y pasa del tema, porque así es la vida ahora, me rompe un poco el corazón. Soy un poco anticuado en ese sentido”, cerró.

Barceló lleva el ron dominicano a la mayor feria internacional de bares y bebidas en Berlín

Ron Barceló participó en la feria comercial líder del mercado de bebidas y bares Bar Convent Berlín, que se llevó a cabo en la capital de Alemania, donde se dieron cita más de 300 empresas del sector, que representan a las marcas más influyentes a nivel global. Así lo dio a conocer a través de un comunicado de prensa, al tiempo de precisar que exhibió un stand por tres días en el que invitó a los asistentes a “descubrir su instinto”, para prepararles cocteles de acuerdo al resultado obtenido. “Nuestro producto trajo la esencia de la dominicanidad a Berlín, donde hemos demostrado a la calidad y variedad del ron dominicano a la comunidad internacional del segmento de bares y bebidas, evidenciando el por qué somos el principal ron oscuro y uno de los principales rones de exportación en el mundo”, expresó Carolina Espin, directora de Mercadeo en Ron Barceló.Sostuvo que el Bar Convent Berlín fue creado hace 11 años y desde sus inicios se ha convertido en uno de los principales encuentros comerciales para la industria, donde sus actores más relevantes convergen para hacer nuevos contactos, conocer novedades de productos y asistir a seminarios para profundizar su experiencia. La edición de 2017 contó con la participación de 370 empresas expositoras, representando a más de 1,100 marcas; se realizaron varias degustaciones en el área denominada Brew Berlin, así como en el nuevo Coffee Convent Berlín. Cerca del 50% de los 12,217 visitantes que concurrieron ostentaban las profesiones de barman, gerente o propietarios de bares, quienes se trasladaron del extranjero para vivir la experiencia. Ron Barceló cuenta con un portafolio de bebidas espirituosas comercializadas en más de 70 mercados internacionales y está presente en más de 70 mercados internacionales, como parte de un robusto plan de expansión que inició hace unos 16 años, con el propósito de posicionar el mejor ron dominicano entre los consumidores de bebidas espirituosas en los cinco continentes, que les han otorgado una alta valoración a sus marcas.

Ozuna, Bad Bunny y CNCO triunfan en premios Latin Music.

LOS ANGELES.- El latin trap del dominico-puertorriqueño Ozuna y la fusión de pop y reguetón del grupo estadounidense CNCO triunfaron en la cuarta edición de los premios Latin American Music Awards (Latin AMAs) que se entregaron en el teatro Dolby de Los Angeles (EE.UU.). El éxito en estos premios de votación popular de Ozuna y de la versión más urbana de la banda juvenil que surgió del concurso musical La Banda volvió a demostrar el empuje del reguetón y el latin trap en la industria de la música. Ozuna llegaba al inicio de esta fiesta de la música latina como máximo favorito, con nueve nominaciones, las mismas que el colombiano J Balvin, que se fue de vacío.En cambio, el boricua subió al escenario tres veces para recoger los premios a artista urbano favorito, álbum del año y mejor disco urbano, por “Odisea”. Por su parte, los cinco integrantes de la banda juvenil de Miami CNCO se coronaron como dúo o grupo favorito, así como artista pop preferido y álbum favorito en la categoría pop por “CNCO”. Sobre el escenario la banda se unió a Becky G y Leslie Grace para presentar el remix “Díganle”, la primera colaboración del grupo con las dos artistas, que ya batió el récord de 100 millones de reproducciones en YouTube en menos de dos meses. “El mensaje es claro, vamos a celebrar el coraje y el poder que tenemos las mujeres y los hispanos” dijo a Efe la neoyorquina Leslie Grace. Por su parte, Becky G dejó muy en alto el nombre de los hijos de inmigrantes, al alzarse por segunda vez con el premio a artista femenina favorita. “Esta categoría significa mucho para mí, en este momento, cuando las mujeres estamos ganando, todas estamos ganando, y juntas somos más” dijo la Becky G al recibir el reconocimiento. La californiana de raíces mexicanas también le echó una mano a Bad Bunny, que fue considerado artista del año y obtuvo el reconocimiento a la mejor canción urbana por su colaboración con Becky G en “Mayores”. La mexicana Gloria Trevi hizo temblar el escenario al hablar sobre los abusos que viven las mujeres. En una intervención de varios minutos, la mexicana se refirió a sus días de cárcel en México y el daño que le ocasionó su exproductor Sergio Andrade, al que no quiso referirse por su nombre. La cantante del pelo suelto mencionó a Harvey Weinstein, cuyos abusos generaron el movimiento ·MeToo, y la condena contra Bill Cosby para explicar la cantidad de mujeres que son víctimas de agresiones sexuales. Las mujeres “desaparecidas de Juarez” también fueron mencionadas por la mexicana. La sala estalló en aplausos al reconocer el valor de Trevi antes de interpretar su nueva canción “Ella Soy Yo” Camila Cabello se hizo con el premio a artista favorito “crossover”, mientras que la reguetonera brasileña Anitta ganó el galardón a mejor vídeo del año por “Medicina”, su primera canción en español. Otro de los grandes nombres de la música urbana puertorriqueña que salió victorioso del Teatro Dolby fue Daddy Yankee, merecedor del premio al cantante masculino del año y del premio especial Icono, que destaca al “artista que es reconocido en todos los continentes como rey de su género musical”. El puertorriqueño cantó un tema de latin trap contra el cáncer de mama. Maluma, por su parte, que cantó junto a Prince Royce, recibió el premio evolución extraordinaria y al recibirlo el colombiano exhortó la igualdad de géneros. El venezolano Nacho, quién ganó la canción favorita de tropical por el tema “Báilame” reflexionó por su parte sobre el avance de las mujeres en la música latina. “Hace tres años no teníamos tantas nuevas exponentes y estrellas en nuestra música, ahora no puede los hombres dudar de la capacidad de las mujeres en la música”, dijo. También salió de la gala con dos premios el joven cantante de música regional mexicana Christian Nodal, que en este género se erigió como artista favorito y disco preferido, por “Me dejé llevar”. El colombiano Sebastián Yatra se alzó con dos premios como nuevo artista del año y la canción favorita de pop, por “Robarte un beso”, un dúo con su compatriota Carlos Vives. La gala que celebró a las mujeres latinas en la música fue presentada por un grupo de grandes representantes del género femenino que incluyó a la actriz mexicana Aracely Arámbula y la intérprete boricua Roselyn Sánchez.

Bad Bunny dice que en Puerto Rico hay “asuntos más importantes” que sus conciertos

SAN JUAN.- El cantante Bad Bunny dijo hoy que en Puerto Rico, afectado por una grave crisis financiera y devastado por un huracán el año pasado, hay “asuntos más importantes” que atender, como la educación, al referirse a la solicitud del gobernador de que realice otro concierto en marzo. El pasado martes, el gobernador de Puerto Rico, Ricardo Rosselló, pidió hoy al intérprete de trap latino que “abriera” otra función en la isla para que le puedan ver personas que no tendrán oportunidad de asistir a las dos primeras, previstas para el 8 y 9 de marzo de 2019.En un escrito publicado en la red de Instagram, en el que contesta a una maestra, el cantante puertorriqueño señala que es consciente de que la intención de Rosselló al pedirle el nuevo concierto “no es mala”. La maestra, quien se identifica como Valley Jessiesther “Maestra Completamente Frustrada”, previamente, se había preguntado en una misiva, “¿Cómo logro yo inspirar a mis estudiantes a que estudien? ¿Cómo? Cuando en este mundo de fantasía virtual y relaciones electrónicas lo ven a usted -Bad Bunny- como un dios”. En su respuesta, el artista se refiere al deterioro del sistema educativo y al cierre de casi 300 escuelas en la isla, en el marco de la crisis financiera. Sostiene que parte del problema es que se trata de un sistema “prehistórico”, que “no es compatible” con las generaciones actuales y pide que los alumnos que no abandonen la escuela. “Yo jamás hubiera podido llegar a donde estoy y al nivel que es, si no hubiera estudiado”, afirma. Las presentaciones de este artista en 2019 son sus primeras dos grandes presentaciones desde que en mayo pasado ofreció un espectáculo en el Centro de Convenciones de Puerto Rico en San Juan ante más de 24.000 personas y que contó con las actuaciones de artistas como Daddy Yankee, Nicky Jam y J Balvin.

Cardi B viene a su Pais.

La rapera de origen dominicano Cardi B, no dejará ir el 2018 si presentarse en el país., es por eso que el próximo 22 de diciembre la “artista favorita de rap” del momento, se presentará en el Electric Paradise Music & Arts Festival en la playa de Juanillo en Cap Cana. Para acompañar a Cardi, también se unirán los destacados artistas urbanos, Ozuna y J Balvin. La Cervecería Nacional Dominicana compartió la cartelera artística que se presentará, en lo que ellos han catalogado como: “Un sueño que se hace realidad en una noche”. Además participarán en el espectáculo; Riccie Orach, Diablo, Foste the People, el israelí Guy Gerber y Wiz Khalifa, Bedouin, Blond:ISH, Jack Nodak, KSHMR, Major Lazer, The Knocks, Vini Vici, entre otros. La música electrónica estará a cargo de los artistas Major Lazer, Disclosure, Don Diablo, KSHMR, y Krewella, y también serán parte del festival los reconocidos artistas del indie Foster The People y The Knocks. Como si esto fuera poco, también estará por primera vez en el país una de las leyendas del R&B, Wiz Khalifa. En conjunto, este grupo de intérpretes suma más de 370 nominaciones y 93 reconocimientos por prestigiosas premiaciones como los Grammys, Billboards, BETs, MTV Music Awards, entre otros. También se suman a esta cartelera la joven artista Jack Novak, el controversial cantante local Riccie Oriach, el DJ local Omar Andino y la exclusiva experiencia de RUMORS, una fiesta conceptual con una propuesta artística compuesta por Guy Gerber, Seth Troxler, Bedouin, Lauren Lane, Blondish, y el artista local HYPER.

Maluma recibirá un premio especial en los Latin American Music Awards

Los Ángeles (EE.UU.), (EFE).- El artista colombiano Maluma recibirá el premio especial Evolución Extraordinaria en la cuarta edición de los Latin American Music Awards (Latin AMAs), informó hoy en un comunicado la organización de estos galardones.“El premio Evolución Extraordinaria se entrega a un artista joven que refleja cambio, crecimiento y velocidad en su carrera logrando alcanzar éxito de manera acelerada en poco tiempo”, señalaron los responsables de los Latin AMAs. Maluma, que ha editado este año el disco “F.A.M.E.”, cantará además en directo en la gala de los Latin AMAs, que se celebrará el próximo 25 de octubre en el Teatro Dolby de Los Ángeles (EE.UU.) y que emitirá Telemundo. También actuarán como artistas invitados en la ceremonia Cardi B, Christian Nodal, Pitbull, CNCO, Ludacris, Prince Royce, Becky G, Banda MS de Sergio Lizárraga, Leslie Grace, Flo Rida, Tini y Álvaro Soler. Los reguetoneros Ozuna y J Balvin, con nueve nominaciones cada uno, parten como favoritos. En la lista de candidatos también sobresalen Nicky Jam con ocho menciones; Daddy Yankee, con seis candidaturas; y Bad Bunny, Banda MS de Sergio Lizárraga y Christian Nodal, con cinco nominaciones por cabeza. Además, Luis Fonsi, Maluma, Romeo Santos, Shakira y Wisin lograron cuatro candidaturas cada uno. Estos premios, que se inspiran en los American Music Awards, escogen a sus nominados a partir de los registros de ventas de álbumes y canciones digitales, emisiones de radio y en “streaming” (emisión en línea), medidos por la publicación Billboard y sus socios Nielsen Music y Next Big Sound. No obstante, los ganadores de los Latin AMAs son elegidos por los fans.

J.Balvin y Bad Bunny anuncian nuevo disco juntos

Miami.-Los artistas urbanos J.Balvin y Bad Bunny anunciaron que preparan un disco juntos que llevará el nombre de “Oasis” e incluirá algunas de sus colaboraciones anteriores y al menos seis canciones inéditas. El concepto implica “un rescate, un alivio, una refrescada”, indicó el puertorriqueño Bad Bunny. “Cuando llegas a un oasis, vas a abastecerte de las cosas vitales que no tienes, cosas que necesitas”, explicó en una entrevista con la revista Complex. “Me encanta que oasis es la misma palabra en inglés y en español”, dijo por su parte J. Balvin cuando anunció la posibilidad del proyecto en una entrevista en el canal de YouTube de la marca Beats. Además afirmó que los une mucho más que la posibilidad de tener más éxitos. “Lo amo, nos gustan las mismas cosas”, agregó Balvin al hablar de su colega. “Le interesa nuestra cultura y es súper humilde”. J.Balvin, cuyo nombre de pila es José Álvaro Osorio, y Benito Martínez, mejor conocido como Bad Bunny, el conejo malo, ya han demostrado que son un dúo exitoso en las listas musicales de ventas y streaming “Si tu novio te deja sola” pasó 26 semanas en la lista de las 20 canciones más populares de la cartelera Billboard, mientras que “I Like It” con Cardi B. llegó al primer lugar este julio, convirtiendo a la artista estadounidense de padre dominicano en la primera rapera en tener dos canciones en el sitial de honor. La primera vez lo había logrado con Bodak Yellow (2017). El vídeo de “Sensualidad”, la colaboración de Prince Royce, J.Balvin y Bad Bunny, ha superado los 600 millones de visualizaciones en YouTube. Los artistas aún no han dado fecha para el lanzamiento de “Oasis”, aunque indicaron que incluso antes de considerar la posibilidad de sacar un álbum en conjunto ya tenían seis canciones grabadas.

Ozuna y J Balvin encabezan nominaciones a los Latin American Music.

Los Ángeles Ozuna y J Balvin encabezan la lista de nominados a los Latin American Music Awards con nueve candidaturas cada uno, incluyendo a artista del año y artista masculino favorito. Nicky Jam les sigue de cerca con ocho menciones y Daddy Yankee con seis. Bad Bunny, La Banda MS de Sergio Lizárraga y Christian Nodal recibieron cinco postulaciones cada uno, mientras que Luis Fonsi, Maluma, Romeo Santos, Shakira y Wisin obtuvieron cuatro. Telemundo anunció el martes la lista de nominados a los Latin AMAs, en su cuarta edición. El evento, producido por la cadena y Somos Productions, se transmitirá en vivo desde el Teatro Dolby de Los Ángeles el 25 de octubre a las 9 pm hora del este (0200 GMT) y contará con las actuaciones de Cardi B, Christian Nodal, Pitbull, CNCO, Ludacris, Prince Royce, Becky G y Leslie Grace, entre otros.Ozuna también fue nominado a sencillo del año por su colaboración con Wisin “Escápate conmigo”, álbum del año por “Odisea” y artista urbano favorito, entre otras categorías. Balvin figura en los mismos rubros, por sus éxitos “X” con Nicky Jam y “Mi gente” con Willy William y Beyoncé, y por su disco “Vibras”.Por el premio al artista del año se miden, además de Ozuna y Balvin, Bad Bunny, La Banda MS de Sergio Lizárraga, Christian Nodal, Daddy Yankee, Luis Fonsi, Maluma, Nicky Jam y Shakira. Bad Bunny también compite por el premio al mejor nuevo artista junto con Manuel Turizo, Raymix y Sebastián Yatra. En el apartado de sencillo del año figuran además Becky G y Bad Bunny con “Mayores”; Daddy Yankee con “Dura”, Luis Fonsi y Demi Lovato con “Échame la culpa”, y Maluma y Nego do Borel con “Corazón”.El Latin AMA a la artista femenina favorita se disputará entre Becky G, Jennifer López, Karol G, Natti Natasha y Shakira, y el de artista masculino favorito entre Daddy Yankee, Maluma y Nicky Jam, además de Balvin y Ozuna. A partir del martes, hasta el 10 de octubre a las 3 pm hora del este (2100 GMT), el público en Estados Unidos y Puerto Rico podrá votar por sus artistas favoritos a través de www.LatinAMAs.com/vota, y los del resto del mundo vía Twitter con un tuit que contenga el nombre y apellido del nominado, la categoría y el hashtag #LatinAMAs. Al igual que con los American Music Awards, las nominaciones a los Latin AMAs se basan en factores como ventas, difusión radial, streaming y actividad en las redes sociales analizados por Billboard, con ayuda de información de Nielsen Music y Next Big Sound.

A 40 años del estreno de “Grease”: ¿qué ha pasado con sus protagonistas?.

SANTO DOMINGO. “Grease” es un clásico. Una película que marcó la adolescencia de miles de personas alrededor del mundo. El musical estrenado en junio de 1978 y ambientada en los años 50 es un referente que catapultó las carreras de grandes estrellas del cine como John Travolta y Olivia Newton-John. El filme dirigido por Randal Kleiser estuvo basado en el musical homónimo de 1972 creado por Jim Jacobs y Warren Casey. Su llegada a los cines causó un impacto que perduró durante décadas: hasta el estreno de “Mamma Mia” en 2008, “Grease” fue el musical más taquillero en la historia del cine. La película comienza con los protagonistas principales, Danny Zuko y Sandy Olsson, pasando el verano juntos y formalizando una relación. Desgraciadamente, ambos tienen que despedirse al término de las vacaciones debido a que ella y su familia tienen que regresar a Australia. Sin embargo y para su sorpresa, su familia cambia de opinión y en lugar de regresar a Australia, ella se queda en los Estados Unidos y se inscribe en el instituto Rydell (una preparatoria ficticia ubicada en California), donde estudia su amiga Frenchy, miembro de una pandilla femenina llamada Las Damas Rosas (The Pink Ladies en el original en inglés). Lo que no sabe es que en ese mismo instituto también estudia Danny. La película fue un rotundo éxito tanto en taquillas como en el cine. Pero, que ha sido de los actores y actrices del musical. A continuación te mostramos cómo lucen en la actualidad y que ha sido de sus carreras.

Rihanna desata su bestia salvaje en exuberante desfile en NY.

NUEVA YORK. Rihanna desató a su bestia salvaje en un exuberante desfile de Savage x Fenty que cerró el miércoles por la noche la Semana de la Moda de Nueva York. El singular show en un escenario tropical incluyó mujeres de todas las formas, tallas y razas retorciéndose, carcajeándose, jugueteado y acechando como animales en prendas de encaje, red y satén que brillaron para la segunda temporada de la marca. El exótico mundo de brazaletes, ropa íntima y pijamas fue presentado en 50 atuendos, en medio de un estanque, hidroponía, biodomos botánicos movibles y estaciones de plantas construidas adentro de un cavernoso edificio en el Navy Yard de Brooklyn. “Mi misión es simplemente que las mujeres en todo el mundo se sientan cómodas y sexy y se diviertan con la lencería”, dijo la estrella del pop e ícono de la moda a The Associated Press entre bambalinas tras el singular desfile que arrancó vítores de la audiencia. “Creo que esta noche fue una de esas experiencias que quería que la gente sintiera esa energía. Quería que sintieran todos los tipos de cuerpos diferentes, todas las mujeres diferentes en distintos escenarios de su femineidad”. Las “bestias” de Rihanna venían tatuadas. Incluyeron a dos mujeres embarazadas mostrando sus formidables barrigas con orgullo, a una ninfa vestida de verde neón, y a las famosas hermanas modelos Gigi y Bella Hadid, la primera ataviada en café, la segunda en azul claro. Todas se movieron lentamente a lo largo de la coreografía, algunas bajo una caída de agua, en medio de un escenario vivo con fauna, con follaje trepándose por dos estructuras que se movían alrededor mientras las modelos entraban y salían caminando de manera provocativa. Por momentos, las mujeres se agrupaban en tríos para explorar sus cuerpos.

Maluma: "Lo primero que aprendí fue a respetar y a valorar a la mujer".

Madrid Maluma, un huracán que ha construido cada uno de los giros de su breve pero exitosa carrera entre "blancos y negros, sin grises", ultima el inicio de la gira promocional de su disco "F.A.M.E." en España, el país donde hace solo unos días arrancó una campaña digital en su contra por "fomentar el machismo". "Una cosa es quien está al frente de la cámara y otra quien está detrás. Aquel es Maluma y este es Juan Luis, que es muy familiar. Mi madre y mi hermana tuvieron un papel muy importante en mi crianza, así que lo primero que aprendí fue a respetar y a valorar a la mujer", asegura el colombiano en una entrevista con Efe hoy en Madrid. Era el tema de la jornada, y Juan Luis Londoño (Medellín, 1994) no ha evitado responder a la polémica que levantó la portada de su sencillo "Mala mía", en la que aparece en el centro de una cama rodeado de féminas semidesnudas. Twitter rápidamente respondió y desde España arrancó una campaña que denunciaba, como hace años con la canción "4 Babys", que sus letras cosifican a la mujer. "No es que me duela, porque he ido creando un blindaje frente a estos comentarios, pero respeto a todas las personas que tienen opiniones diferentes a la mía", señala, sin poder evitar una sonrisa cuando se le menciona la etiqueta que congregó a cada vez más detractoras y detractores, #MejorSolaQueConMaluma. En su defensa, indica que es "de los pocos artistas que se atreve a hablar de la realidad que vive la juventud día a día" y señala que lo más importante es que sus temas "tengan éxito y que la gente las disfrute". "Siempre que quieran que haga ese tipo de canciones, se las voy a seguir dando", insiste, antes de dejar claro que también las compone porque son de su agrado: "No hago nada que no me guste". Paradójicamente, Maluma sostiene que, "definitivamente, sí" la música cumple un papel en la forja de valores en la sociedad. De hecho, posee una fundación, El arte de los sueños, que nació en 2016 para trabajar en comunas de Medellín y atender "a niños muy vulnerables que nunca han tenido una oportunidad y que han terminado escogiendo la adición a las drogas o el camino de la violencia".

Becky G, una chica rebelde que defiende su estilo y a las mujeres

PUERTO RICO.-Aunque inició su carrera cantando música pop en inglés, fue expresándose en español que la cantante Becky G encontró su identidad artística, pero eso no significa que en el futuro las cosas no puedan cambiar y se encuentre explorando otros géneros. No le gusta encasillarse; lo tiene muy claro.“Siento que yo, como mujer, nunca voy a dejar a una persona ponerme en una cajita. No. Si un día quiero hacer un disco de rancheras ¿por qué no? Si algún día quiero hacer un disco completamente en japonés, por qué no. ¿Por qué tenemos que escoger?”, afirmó la cantante, cuyos temas “Mayores” y “Sin pijama” (junto a Natti Natasha) se han convertido en sus más recientes éxitos en el género urbano. Un poco incómoda Cuestionar no es un problema para ella. A sus 21 años, Becky G se siente incómoda aceptando que las mujeres deben evitar las temáticas atrevidas que maneja en sus líricas más recientes. En ese sentido, afirma que la música es cuestión de gustos. “Si te gusta el ‘trap’ o el reguetón está bien. Sino te gustan, también”, precisó la cantante. A través de su música, la artista también ha procurado, a su manera, retar la percepción de que las mujeres en la industria de la música, especialmente en el género urbano, tienen que ser rivales. “Pienso que la industria, las disqueras, el público y la prensa quieren el chisme, todo el drama. Quieren ver esa competencia entre las mujeres cuando estamos acostumbrados a ver a los hombres colaborar. En el remix de ‘Te boté’ no sé ni cuántos son. Entonces, ¿por qué cuando venimos las mujeres nos tratan diferente? Eso me da mucha tristeza. Pero estamos cambiando las cosas un poco”, opinó la cantante, quien se siente parte de un grupo de mujeres artistas jóvenes que ya no piden excusas para hablar de lo que quieren. Un único ejemplo El único ejemplo que le interesa darles a los jóvenes que la admiran es que, al igual que ella, también pueden lograr sus sueños independientemente del idioma que hablen o del dinero que tengan. Becky G nació en Los Ángeles y fue criada en un entorno familiar muy humilde, donde lo mexicano y lo norteamericano se mezclaba en todos los aspectos del diario vivir, desde la música hasta la comida. Por eso nunca ha considerado que hizo un “crossover”. “Yo soy el crossover”. A través de su música, la artista también ha procurado, a su manera, retar la percepción de que las mujeres en la industria de la música, especialmente en el género urbano, tienen que ser rivales. De su herencia latina, Becky G valora más que todo “el poder que tenemos” los latinos de luchar para salir adelante. —1— Lo nuevo Recientemente grabó “Cuando te besé” con el joven cantante argentino Pablo Alondra. —2— Colaboración Unió sus dos mundos, anglosajón y latino, con “Zooted” junto a Farruko y French Montana. —3— Aprecia Valora más que todo “el poder que tenemos” los latinos de luchar para salir adelante.

Zion & Lennox anuncian su primer gran concierto en RD

SANTO DOMINGO.- Desde su incursión en la música, el dúo puertorriqueño Zion & Lennox, se marca como un referente de reggaetón, hoy con 17 años de historia musical encima el dúo anuncia su primer gran concierto para República Dominicana este 26 de octubre. El dúo revela que luego de años de experiencia, de nuevos temas, grandes colaboraciones, visitas a muchos países, por fin aterrizarán en el Palacio de los Deportes de Santo Domingo con una show que ellos mismos están preparando para entregarle al público dominicano, por ser su primera vez en un escenario en solitario para esta isla hermana que le ha dado tanto apoyo. Las boletas de este concierto estarán a las ventas a partir del martes 6 de agosto en Supermercados Pola, Tiendas La Sirena y Spring Center.“República Dominicana, 26 de octubre la Z y la L en el Palacio de los Deportes, será una celebración porque por primera vez esteramos allá en un concierto masivo, nuestra isla hermana que nos ha apoyado bastante, esa noche será historia”, expresaron los intérpretes de temas como “Pierdo la cabeza”, “La player”, “Otra vez”, “Te quiero pa mi”, “Embriágame” y “No es justo”. Los reguetoneros que comenzaron su carrera a principios de la década del año 2000, traen su espectáculo bajo una producción de las empresas WE Entertainment & LG Concerts . Proclamados como el “Mejor dúo latino urbano”, Zion & Lennox revelaron que esa noche entregarán algo grande y que todo el cariño y el apoyo dado por los dominicanos lo pagaran en ese escenario cuando salgan a escena y demuelan el lugar con su exitoso reggaetón. Dueños de un carisma sin igual, lo que lo llevó este mismo año a ser los artistas más versátiles del Festival Viña del Mar en Chile, no dejarán esa noche un solo de éxitos y prometen hacer un recorrido musical por su discografía que incluya sus colaboraciones y todas las letras que han sido éxitos para ellos. “Su misión como dúo lo ha llevado a grandes escenarios, importantes premiaciones y grandes colaboraciones, hoy le toca el turno a República Dominicana y son ellos mismos quienes se están involucrando en la promoción de este gran concierto”, expresaron los productores en el país del show.

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